Algunos de nosotros nacemos con cosas que no podemos controlar, impulsos que nos arrastran
hacia lo oscuro, hacia lo inaceptable, pero a veces, en ese caos, encontramos a alguien
que nos ve como somos y decide quedarse, aunque sea por un tiempo.
Y ese tiempo, aunque breve, lo cambia todo, porque al final, todos somos algo más que
lo que consumimos.
Todos buscamos sentir que pertenecemos a alguien, aunque ese alguien esté igual derroto.
Bienvenidos a los Peliculistas, tercer episodio en el que vamos a charlar hoy sobre la película
Hasta los huesos o Bones and Oul de Luca Guadagnino.
Tenemos con nosotros a Cristian Martínez, Miguel López y recuerden que nos pueden seguir
en Twitter, arroba peliculistas pod o en Instagram, arroba lospeliculistas barabajapodcast.
Así que nada, esos son los sitios donde nos pueden seguir y vamos con la peli de Hasta
los huesos Bones and Oul, Luca Guadagnino 2022, cuenta la historia del primer amor entre
Maren, Marín, María, Mareo, Mareo, Mareo, Mareo, Mareo, Mareo, Mareo, Mareo, Mareo,
Maren, una joven que está aprendiendo a sobrevivir al margen de la sociedad, Yli, un vagabundo
con ideas muy intensas que vive marginado también al margen de la sociedad, igual que
Maren, cuando se conocen, bueno pues se unen en un viaje que les lleva por carreteras, pasajes,
ocultos y caminos alternos de Estados Unidos, que es donde transcurre la historia, pero
a pesar de sus esfuerzos, todos los caminos les conducen a sus aterradores pasados, y
en una última parada que determinará si su amor puede sobrevivir a su forma particular
de ser, que son devoradores, ¿por qué Bones and Oul?
Pues a ver, yo por mi parte en el primer capítulo de los peliculistas hablamos de Parásitos,
y esa hace dos semanas, hace exactamente, hace de aquí, porque la semana pasada fue
de Master, no fueron tres semanas, hace tres semanas, entonces esa película la escogió
Juan Fran y en el segundo episodio yo escogí de Master, entonces le tocaba a Miguel escoger
y esta película se la recomiendo, yo hace un tiempo, porque me fascinó, y a mi Guadagnino
es un director que me encanta, en Bones and Oul, Guadagnino logra transformar una road
movie tradicional en una reflexión poética sobre la identidad, sobre el deseo, por lo
que la convierte en un reto cinematográfico y narrativo, ya que equilibra lo bello y lo
grotesco en la película, sin perder el su sello identitario de Guadagnino, pero sobre
todo mi motivo principal es que es una película que pasó muy desapercibida ese año, casi
nadie habló de ella y creo que con los años ganará reconocimiento y nosotros aquí no
queremos esperar más para dárselo.
Claro.
¿Y tú Miguel?
A mí porque me gustaba.
Perfecto, pásame.
¿Y tú Juan Fran?
Bueno, no, no, no, no, no, para, para, a ver, yo quiero decir que yo siempre me siento engañado
con este grupo de amigos, porque es cierto, ¿no?
Me tocaba elegir a mí y pasé una lista de películas y yo creo que salió de toda la
lista, no la que menos me gustaba, ¿no?
Bueno, si no la hubieses incluido en la lista quizás no hubieses salido.
Si es que al final me siento callado y es mi culpa.
Un día tendremos que explicar cuál es el método que seguimos para elegir las pelis,
otro día, la semana que viene, por ejemplo.
Y motivo bueno, yo ya sabéis que este podcast lo estoy usando para ver pelis que no he visto,
entonces es la excusa perfecta, es una peli que como bien dices Christian, pasó de esa
percibida, aunque recuerdo que cuando vi el tráiler me impactó visualmente mucho y también
pues el elenco que tiene de actores era muy atractivo y bueno, pues es la mejor excusa
para verla que este podcast, así que, pues si os parece vamos con un argumento que creo
que es clave para poder contextualizar para todos aquellos que no hayan visto la peli,
¿vale?
Avisamos como siempre que va a haber spoiler, así que bueno, si queréis ver la peli, parar
ahora, ver la peli y luego seguimos con el podcast.
Y los que la habéis ya visto, pues nada, disfrutar de él, así que vamos con el argumento.
Bones and Alls, es la adaptación cinematográfica de una novela homónima de Camille de Angelis
y bajo la dirección de Luca Guadagnino, un director que especialmente le gusta a Christian,
yo lo desconocía, bueno, aunque sí que había visto una peli recomendada por ti, creo que
fue la de la Toscana.
Conmigo, conmigo.
Esa es, justo.
Y esta historia pues adquiere una fuerza visceral que mezcla pues lo romántico y lo perturbador,
¿no?
Miguel, sigue tú.
Bueno, pues nada, la película sigue a Marin, que es un adolescente que vive con su padre
en un pequeño pueblo, pero con un secreto inquietante, es una devoradora, una caníbal
con impulsos violentos hacia las personas.
Bueno, en el inicio de la película están en una fiesta de pijama.
Marin no puede evitar morder el dedo de una amiga y arrancárselo brutalmente.
Es una escena que además me encanta, luego luego la comentaremos.
Y este incidente, incidente lleva a que su padre ha acostumbrado a lidiar con estos episodios,
tenga que ir con ella, pero bueno, en la siguiente parada, digamos, la deja sola con algo de
dinero y con una grabación, con un sobre, con un cassette, donde explica qué ha pasado,
que no puede seguir protegiéndola.
Y es una grabación que le acompañará durante toda la película, un poco contándonos a
nosotros, el espectador, qué es lo que ocurre, ¿no?
Sí, y Marin además, perdida y en busca de respuestas, descubre que su madre, a la que
nunca conoció, también es una devoradora.
Este descubrimiento la impulsa a iniciar un viaje para encontrarla y entender su naturaleza.
En el camino es donde conoce a Sully, un devorador solitario y perturbador que recolecta el caballo
de sus víctimas como trofeos, pero que asegura no matar nunca a sus víctimas, sino que los
huele cuando están moribundos o ya fallecidos.
Y bueno, este personaje bueno de Sully, pues parece, parece querer ser una figura paterna.
¿Sully o Sally entonces?
¿Cómo decimos?
Sully.
Mira, Sully.
Aunque Sully parece querer ser una figura paterna, pues Marin desconfía y bueno, pues
aleja de él, ¿no?
Continuando su ruta en búsqueda de su madre.
Pero poco después se cruza con Lee, Lee que es el cual mate y devora a un cliente de
una gasolinera.
Lee que lo interpreta Timothy Chamalet.
Y habrá que definir si...
Espera.
Habrá que definir si se puede decir peor.
Vamos a definir si sí, si te dieron mal.
Como es, dejáos en Timothy si quiere.
Timothy.
Minimo, Chamalet nunca.
Chalamet al mejor, pero...
Charmalet.
Charmander.
Timothy.
Venga, Timothy para los amigas.
No, no, no.
Te llama Luca o Adri, no.
Si te quieren con esa confianza.
¿Timmy?
Venga, así, ¿no?
Y bueno, pues este Timmy, ¿vale?
Lee es otro, es un chaval joven, guapo, rebelde, ¿no?
Con la apariencia que nos transmite y ella ve que mata y devora a un cliente de una gasolinera,
¿no?
Ella interpreta que este personaje también es otro devorador.
Este personaje está interpretado por Timothy, que lo vamos a llamar así a partir de ahora,
Timothy.
Timothy, Timothy Chamalet.
Lo digo rápido porque así no se nota.
Y bueno, pues Mari y Timothy desarrollan una profunda conexión.
En ese momento surge como una química muy potente entre ellos y él decide sumarse al
viaje de Mari en búsqueda de su madre, ¿no?
Y bueno, pues ahí empieza una aventura en el que, bueno, pues van sobrepasando situaciones
complejas, va sobreviviendo a través de robos, asesinatos y bueno, al final surge un amor
entre ellos y sobre todo porque yo creo que empiezan a conectar de una manera especial
ya que los dos son devoradores y parece que, bueno, se entienden, ¿no?
Sí, luego justo después con todo el tema del road, del camino del viaje, se encuentran
con otro devorador, el cual está acompañado por alguien que parece ser un no-devorador,
pero a quien le gusta observar, ¿no?
Como la situación es muy siniestra acaban huyendo y engañan a un hombre, bueno, de
hecho, Lee lo engaña para mantener relaciones sexuales con él, llevarlo a un campo, matarlo
y devorarlo.
¿De qué decimos devorar?
Porque así se autodefinen ellos, ¿no?
Quiero recordar la amelie que se dice, tú eres devorador, ¿no?
Sí, caníbales.
Eso es, eso es.
En medio de su viaje, Sully reaparece porque la estuvo siguiendo y obsesionado con Mari
y dispuesto a reclamarla, pero esta vuelve a huir de él.
Finalmente, Mari localiza a su madre en un hospital psiquiátrico, solo para descubrir
que también luchó contra sus impulsos caníbales, llegando a mutilarse para intentar controlarlos,
devorando sus propias manos en una escena que es brutal.
Tras un encuentro devastador, Mari se marcha con Lee y se instala en una ciudad a vivir
una vida normal, con un trabajo normal, yendo a hacer la compra y haciendo cositas normales.
Aparentemente normal, eso es.
Ahora que esa normalidad se ve truncada con la aparición de nuevo de Sully, este personaje
turbio que parece que va como en paralelo acompañado de la historia de estos dos personajes.
Parece que esa obsesión que tiene por el personaje de Maren lo lleva a adentrarse en
su casa, a someterla, y comienza una lucha entre estos dos personajes por su vida, hasta
que Lee aparece y rompe la casa y empieza a forcejear, hasta que Lee queda mortalmente
herido.
Acaban con la vida de Sully también, y sabiendo que va a morir, Lee le pide a Maren que lo
devore completamente, hasta los huesos, el origen del nombre de la peli.
Como último acto de aceptación, llamados profundos, también con una segunda lectura
de que si devoran hasta los huesos no quedaran pruebas de ese asesinato, entonces ella quedará
indente, por si alguna manera, desde el punto de vista legal.
La película termina con Maren cumpliendo ese deseo y aceptando finalmente su propia
naturaleza.
Creo que es una peli que a nadie deja frío, yo no conocí nada de la historia, y genera
un impacto brutal porque es como una mezcla un poco peculiar.
Y sí que es cierto que comentabas, Christian, que no había tenido un peso social, por si
no una manera, y eso cómo se vio en el tema de los premios, ¿tuvo alguna repercusión?
Pues mira, por ejemplo, la película no tuvo presencia en los Oscars, para mí merecidamente,
en un año flojo donde podría haber tenido presencia, aunque también es cierto que se
estrenó en noviembre y no tuvo el suficiente recorrido para adquirir esa nominación, donde
sí tuvo presencia y reconocimiento fue en Venecia, donde la protagonista que hace de
Maren, Taylor Russell, ganó el premio a Mejor Actriz Emergente y Guadagnino ganó el León
de Plata a Mejor Dirección, lo cual fue un gran arranque para la película.
Y además estuvo nominada al León de Oro, pero no pudo ser.
¿Crees que Venecia tuvo ese reconocimiento porque el director es italiano o más por
la editorial del propio festival?
No te sabría decir, aunque Venecia suele ser un buen anticipo de películas que triunfen
posteriormente en los premios americanos, no fue el caso, aunque tuvieron nominaciones
importantes en los Independent Spirit Awards, en los premios Gotham, en los premios David
D.
Donatello y en los premios que entrega la Asociación de Críticos de Chicago.
Este fue el año de todos los partes de los Daniels, una película que creo que a Miguel
le encanta.
Bueno, es verdad que cuando la vi me gustó bastante, me pareció muy dinámica, que es
lo que me gusta mucho y es justo lo que dicen, parece que fue su año porque se le llevó
todo a la vez en todas partes.
Estaba en todos los festivales.
A Pilar también le encantó, mi mujer cosechó siete Oscars, a mí no me apasiona la película
y de los importantes además, como Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Actriz,
Mejor Actor, Mejor Gión Original y Mejor Montaje, venciéndola a todo poderoso Avatar,
que se llevó los mejores efectos visuales y Sin Novedad en el Frente de Edward Berger,
que se tuvo que conformar con Mejor Película Internacional, Fotografía, Banda Sonora y
Diseño y Producción, también una gran película.
Esta película es de Netflix directamente, no?
Sí, sí, Alemana de Netflix, si no me equivoco.
Otras películas reseñables con presencia a los premios son Tar, Los Favelman de Spielberg,
Almas en Pena de Niserín de Martin McDonagh, el biopic de Elvis, que no lo he visto todavía.
Bueno, sí, no sé.
Sí, está bien.
No me encantó.
Sí, estoy contigo.
Me pareció que estaba bien, pero lo veía muy, muy, muy impostado todo el tiempo.
Era todo como muy, muy falso.
No sé si es algo como narrativo que quieren hacer por el propio personaje de Elvis, pero...
A lo mejor, Bad Luzman quería hacer de Bad Luzman, es decir, que la propia peli ofreciese
su espectáculo.
No creo que haya un director mejor para hacer una peli de Elvis.
No, por supuesto que no.
Pero no sé.
Salía luego que el propio actor en entrevistas anteriores y posteriores, como de seis meses
después, había cambiado su forma de hablar.
Como que el personaje de Elvis se lo sabía como apropiado de él.
Yo creo que dijo, si puedo ser sexy, si puedo ser...
Pues mira, prefiero que sea el que es.
Bueno, también estuvo El diálogo de la tristeza, Top Gun.
Muy bueno.
Top Gun, ¿no?
Tom Cruise.
Tom Cananera.
Ellas hablan o Argentina de 1985.
Fue un gran año para otras películas que no...
Mucho mejor Argentina de 1985 que Argentina de 1984.
Mucho mejor.
O diría un año mejor incluso.
Un año mejor, sí.
Guau.
Pero fue un gran año para otras películas que no porque se hayan quedado fuera de las
primeras internacionales, hay que olvidarlas.
En España, por ejemplo, tuvimos a Asbestas, película Nueve Goyas, o Cinco Lobitos, con
tres.
En China tuvieron el regreso de La Colondrina.
¿Cómo es en China?
¿Cómo se dice en China?
Pues habrá que preguntar.
Vale.
Bueno, no era...
Si te preparas el podcast, continuamos.
Continuamos.
En Italia, Las ocho montañas, de Otto Montare.
En Irlanda, The Quiet Girl.
Y como la unidad de las iglesas After Sun y 13 vidas de un renovado Ron Howard.
Vale.
De la hora vetado y cancelado, canceladísimo, Carlos Bermúde, tuvimos la brutal Mantícora,
que a mí me encantó.
Y una de las películas del año para mí es Holy Spider.
La tengo para verla.
Me la recomendaste y la tengo ahí guardadita.
Igual que hay un podcast.
Pues me parece increíble.
Si le toca a Christian, igual.
¿Pero toca él?
¿La semana que viene?
Bueno.
También fue el año de RRR, una peli loquísima de Rajamuli, India, de donde los coches vuelan
y los tigres saltan un montón.
Bueno, pero es loquísima aquí, pero allí es un poco...
Incluso para allí, yo creo.
¿Sí?
Sí.
Además, está muy bien la película.
Vale.
Babylon, de The Man in Chalice, que a mí, la verdad, no me gustó mucho.
¿La hemos visto todos aquí?
Yo creo que sí.
Sí, sí.
Yo no la he visto.
¿No?
Y el Batman de Matt Reeves, de Sun to Live, del maestro Parchang Wook, que a mí me encantó,
pero pasó un poco como Bonzanoll, que pasó sin pena y sin gloria.
Y nos dejamos muchas, como la maternal de Pilar Palomero, que este año también lo
está partiendo con los destellos, las carreras de Carla Simón, olas increíbles pero poco
recomendables, Rimini y Esparta, de Ulrich Seidel, que son películas muy duras sobre
cosas muy turbias.
T West sacó Pearl, recuela de éxito de X.
Y aquí en España también lo orió el Paulo, desde un broco, Los Recones Torcidos de Dios,
como Coreda hizo con Broker.
Pero no puedo nombrar las cosas, así que sirva esto como contexto de un año con superproducciones
como Avatar y películas tan sencillas y bonitas como Alcarraz, donde Bonzanoll se sitúa en
un punto intermedio, aunque para es mi favorita del 2022.
Sí, a ver, yo creo que es posible que la tipología de peli igual no es una peli quizá
adaptada o enfocada a todos los públicos, aunque yo creo que a todo el mundo que la
pueda ver le puede funcionar.
Bueno, y aunque fuese una peli que igual no tuvo mucho renombre, ¿qué tal fue a nivel
de taquilla y qué presupuesto manejó esta peli?
Bueno, creo que tiene mucha razón con esto de que no es una peli para todos los públicos.
Ellos era algo que ya sabían y de hecho fue una peli que les costó mucho poder levantar.
El presupuesto fue de 16 millones de dólares, lo que es relativamente modesto teniendo en
cuenta todo el mundo jólivo.
El guionista de la peli en algunas entrevistas estuvo comentando que él ya sabía que los
estudios nos iban a comprometer a hacer una película así y decidieron hacer un movimiento
poco convencional tanto él como el director, como Lucas, como los autores principales no
cobraron nada mientras hacían la película.
Joder.
Sí, es una película en todos los sentidos poco convencional y eso como no se refleja
en su recaudación.
En Estados Unidos y en Canadá recaudaron cerca de 8 millones, ¿vale?
La mitad.
Hablamos de ellos en su primer fin de semana y la recaudación total en el mundo fue de
15 millones.
Uy ostras.
Menos un millón.
¿Ese millón qué?
Bueno, ese millón.
¿Lo arreglamos?
Lo vamos viendo.
Sí que es interesante, bueno, que decidieron optar por localizaciones reales en Vete Estudio,
lo que en principio según lo que iban a grabar les reducía algunos costes de producción.
Justo un millón, ¿correcto?
Un milloncillo sí.
Y bueno, en ese mismo año por hablar rápidamente la masta que era fue como no Avatar, The Way
of War, con 2.329 millones.
Podría darle uno de esos que le sobrara.
O dos pa que esté en número verde.
Y justo detrás Top Gun con 1.500 millones y bueno, son rocientas películas de Marvel,
¿no?
Como no, también estuvo la de los Minions y la de Sonic que le hizo.
A los Minions muy buena.
Que todas superaron a Bounsenor.
Y en estos momentos ¿sabéis si está en alguna plataforma o por qué?
No sé si igual.
No, seguimos en nuestra línea de escoger películas que nadie puede encontrar.
Perfecto.
Se puede alquilar en Apple TV, en Rakuten o a día de hoy se puede alquilar ahí.
A lo mejor podemos nosotros alquilarla muchas veces para cubrir ese millón que le falta.
Ya, mucho.
Sí.
Bueno, hay que ver, ponemos los márgenes y lo vamos hablando.
Bueno, pues hemos visto un poquito el tema de cómo funciona un taquilla y el tema de
los presupuestos y bueno, ahora va la sección cristianera de director.
Háblanos del director, por favor.
Luca Guadagnino nació en el 71 en Palermo, Italia, escritor, productor y director de
cine, de padre italiano y madre argelina.
Pasó su infancia en Etiopía, donde su padre enseñaba historia.
Estudió literatura en Palermo e hizo un doctorado en Roma sobre Jonathan Demme, de quien hablamos
también en el capítulo anterior por ser un referente de Paul Thomas Anderson.
No sería increíble hacer un especial del silencio de los corderos, por ejemplo, de
Jonathan Demme y traer a Guadagnino a un podcast y...
Bien.
Como experto, doctor en Jonathan Demme.
No, sí, hay sitio.
Tengo un hueco.
Compramos un micro más.
Llámale.
Y a ver, le mando un WhatsApp, a ver si...
Pues a ver, él debutó con el largometraje de Protagonist en el 99.
Fue un proyecto que fue proyectado en Venecia.
Cuando dices debutó, fue que lo primero que grabó realmente, lo primero que tuvo un poco
de fama.
Con largometrajes.
Ah, de acuerdo.
Hablando de la de ópera prima de largometrajes.
En esa peli ofrece una visión interesante de lo que se convertiría en su estilo característico,
aunque en una etapa aún primigenia.
La película mezcla géneros y formas, utilizando elementos de ficción y documental para contar
la historia de un asesino real.
Guadagnino no solo cuenta los hechos, sino que también reflexiona sobre el propio acto
de contar historias, lo que convierte a la película en meta narrativa.
Explorando cómo construimos y consumimos la realidad a través del cine.
Guadagnino se interesa menos por los detalles macabros del asesinato y más por cómo el
crimen afecta a los involucrados y cómo el espectador lo percibe.
Yo creo que ya percibimos también propio el Bonsanol, es decir, el crimen en sí pasa
un poco más de puntilla y lo que importa es cómo les afecta a ellos la trama.
Refleja una de sus preocupaciones principales, la fragilidad humana y la manera en que las
emociones y los deseos pueden llevar a comportamientos extremos como en Bonsanol.
Claro, yo creo que justo eso, que va todo por ahí.
Al final no son las historias, sino cómo las personas se toman o cómo se ven afectadas
por ellas.
Sí, pues desde una determinada esa película, Guadagnino estuvo haciendo videoclips para
la artista Elisa, a la cual no conocía, y documentales sobre música y viajes hasta
el año 2008 y demás.
Pero antes hizo en el 2005 Melissa P., una adaptación cinematográfica del libro Los
Cien Golpes de Melissa Panarello.
La película narra el despertar sexual de un adolescente, Melissa, quien explora su
identidad y deseo a través de una serie de relaciones que en lugar de proporcionar la
satisfacción la sumerge en una espiral tóxica.
No sé si os viene sonando la temática de futuros éxitos del director.
Sí, totalmente.
Lo más controvertido de la película es su enfoque en el despertar sexual de un adolescente,
lo cual generó reacciones mixtas.
Mientras algunos elogian la valentía de Guadagnino al abordar un tema tan delicado, otros consideran
que el enfoque era demasiado explícito, que carecía de profundidad emocional y demás.
Pero ya en 2009 dirigió y produjo la película, también melodramática y con cierto erotismo,
Yo sono l'amore, soy el amor.
Claro, entiendo que esta carrera la desarrolla en Italia o él ya está...
La temática, por ejemplo, los títulos, aquí este es en italiano, no sé si él...
Porque entiendo que sí que él se forma en Roma y demás y sigue su carrera allí.
Sí, y está como a... Sí, es cierto que Tilda Swinton, por ejemplo,
aparece en The Protagonist, entonces no te sabría decir si es de producción italiana
ahora mismo o no.
Bueno, pues con Soy el amor, presentada en Venecia, en Berlín y en Sundance, es un melodrama
el que repite con Tilda Swinton, tras su ópera prima que estuvo nominada al Oscar por Mejor
Vestuario y a los BAFTA como Mejor Película en habla no inglesa, lo cual ya fue un éxito
al menos en crítica.
O sea que Tilda Swinton habla italiano.
Exactamente.
Bueno, no inglesa, a lo mejor hablaron en francés.
La more podría ser francés, ¿no?
No, o sea...
Yo sono l'amore, no?
Es una película más aclamada de Guadagnino y la que consolidó su carrera a nivel internacional.
Tilda Swinton interpreta a Emma, una mujer rusa casada con un empresario italiano, atrapada
en la rígida estructura de una familia burguesa.
A lo largo de la película, Emma experimenta un despertar emocional y sexual que la empuja
a desafiar las normas familiares y sociales.
Aquí ya encontramos casi todos los ingredientes del guanadino reconocible de hoy en día.
Y bueno, estuvo varios años haciendo cortometrajes que no he visto y en el 2015 hizo Cegados
por el Sol de nuevo con Tilda Swinton.
La guardaora también parece ser una musa de algo.
Totalmente.
De hecho, la de Cegados por el Sol es la primera que el guión es de David, bueno, del mismo
guionista que tiene también Bones & All.
Fue la primera vez que trabajaron juntos, muy interesante.
También estaba Ralph Fins y Dakota Johnson y es un remake de la película La piscina
del año 69.
Es otro melodrama erótico y esta obra marca una importante etapa en la evolución artística
de guanadino al fusionar el thriller psicológico con su característico enfoque estético cargado
de sensualidad y tensión emocional.
Sí, yo creo que es algo como muy de sello de autor, no?
Parece ser, porque lo podemos ver ahora en Bones & All.
Por cierto, ¿cómo estás diciendo el apellido?
Guadanino.
Sí, sí, es que a veces que se te va a guanadino.
Guananino.
Y por fin en el 2017 estrena Colmiva Your Name, su película más famosa.
Junto a ti, Chalamet y el ahora cancelado Armie Hammer.
¿Por qué?
¿Por qué te caes de lado?
Pues luego igual lo podemos comentar.
Vale, vale, Armie, cancelado, te vas a quedar seco.
Seco.
Estreado total y como no reconfirmación de su gusto por el género dramático barra romántico
mezclado con erotismo.
Vale.
Lo fácil hoy hubiese sido hablar de esta película realmente, si queremos hablar de
guadanino, que la ha visto todo el mundo, pero no nosotros, Bones & All, que no está
ni en ninguna plataforma.
A contra corriente.
Colmiva Your Name es una obra maestra, sin lugar a dudas, una adaptación de la novela
homónima de André Aciman, Aciman, no sé muy bien cómo se pronuncia.
Poco puedo decir que no se haya dicho ya, este film trasciende el tiempo, se sumerge
en ese verano de un pueblecito italiano con una sutileza poética al alcance de pocos,
cada encuadre está impregnado de una belleza increíble y bueno desde los paisajes baños
por la luz del sol hasta momentos de silenciosa complicidad entre protagonistas.
Esta película también catapultó a Timoti Chalamet que está deslumbrante.
En el 2018 se estrena Suspiria con Dakota Johnson otra vez, Tilda Swinton otra vez,
Chloe Graz, Grace Moretz y Mia Godd, es un remake de la original de Dario Argento del
77.
Cuando vi que iba a hacer esta película no me encajaba mucho con su estilo, la verdad
porque es una película gore y demás, pero tras verla realmente sí y tiene más sentido
después con el estreno de Bonzanoll.
Guadagnino no se limita a rehacer el original sino que lo transforma en algo completamente
diferente, una imitación sobre el arte, el poder y el trauma.
Mientras que la versión de Argento es vibrante y excesiva en su estética de horror guialo,
que es una especie de género italiano, Guadagnino opta por una atmósfera inquietante y casi
hipnótica, sombría con un enfoque mucho más psicológico.
Las escenas de danza son impresionantes, para mí de lo mejor de su filmografía y el film
visualmente arrollador.
¿Por qué menciono que tiene sentido con Bonzanoll?
Porque creo que aquí entrelaza la belleza y el horror.
Guadagnino envuelve al espectador una atmósfera de opresión y poder en el berlín ocupado,
gestos hipnóticos, rituales ocultos, macabros, bello, como Bonzanoll.
En el 2020 estrena la aclamada miniserie We Are Who We Are, para HBO, que no he visto y
con esto quiero contar algo muy curioso que me pasó con mi mujer.
Llegó un día casi y le digo, ostas, ha entrado una serie de HBO de Guadagnino.
A ella también le gusta mucho Guadagnino y me dice, pues vamos a verla.
La busco en la aplicación y la pongo en dos episodios.
La temática, abusos sexuales, feminismo, bueno, no sé, cuando veamos unos cuantos
capítulos me di cuenta.
Al parecer las series están un día después y el buscador me ofreció algo similar.
Una miniserie llamada I May Destroy You.
No sé, los títulos, los dos en inglés, me cargué la serie entera.
Dice, pues no, no, el Guadagnino este no parece Guadagnino.
No, no, me pareció peculiar las series de Micaela Coel, que es además la prota, la
que la protagoniza.
¿La serie la que viste tú?
La que vi yo, sí.
¿La que viste tú?
¿Es de las protagonistas de la que luego sacó Guadagnino?
No, no, no.
Ella es la que le dije su propia serie.
Ah, vale, vale.
La que no era, la fake.
Y le dije, ¿podemos tener Guadagnino en casa?
Le dije, mami, ¿podemos comprar Guadagnino?
Tenemos Guadagnino en casa.
Y ese es el Guadagnino que había en casa.
Nos ganamos la serie, la disfrutamos, no está mal.
Sí.
Pero...
Pero tú notaste, dijiste, o sea, que estabas siendo un poco más indulgente porque era Guadagnino
y ya te gustaba.
Sí, sí.
A él le saltaron las armas cuando dijo, no sale Tilda Swinton.
Y dice...
A ver...
Y...
¿Ya saldrá?
Sí, claro.
El capítulo 9.
Y dice, ¿ya saldrá?
¿Ya saldrá?
Si son siete capítulos.
Bueno, bueno.
A mí me pareció, porque la temática en un principio podría encajarme un poquito.
Ajá.
Y...
Y bueno, simplemente no me estaba deslumbrando.
Pero digo, bueno...
A ver, también te digo...
No sé si una temática que digas tú, pero en principio, esto no puede ser Guadagnino,
¿no?
Porque es un tío que de repente saca una película de caníbales.
Y tú...
No sé si era Guadagnino o no.
No, te saca Call of the Name, un romance italiano.
Entonces no sé qué temática podría decir.
Uy, esto es imposible que se leerlo.
Fue lo de Tilda Swinton.
Fue lo de Tilda.
Sí, no, es de Tilda.
Bueno, pues uno de los aspectos más destacados...
Bueno, el tema es...
No lo has visto, ¿no?
No, no he visto la serie porque hoy ha estado rabia.
Por eso ya no la quiero saber.
Fue al colaborador.
Fue tal decisión.
La veré para el próximo programa.
Para la semana que viene la tengo vista.
Vale.
Por eso ya no vas a ser de Guadagnino.
No me la cueles.
No, no.
Mi sección será de...
Ah, bueno, muy bien.
De la serie.
No, no, yo perfecto.
Bueno, pues para terminar con Guadagnino, uno de los aspectos más destacados de su cine
es su habilidad para capturar la belleza en lo cotidiano.
Son poemas visuales sobre el deseo, la belleza y el dolor, donde lo sensorial es clave.
Su película no solo cuenta en historia, sino que desnuda sutilezas de las relaciones humanas
y captura pasiones contenidas, miradas y silencios, gestos íntimos y demás en su cine.
El tiempo parece suspenderse, sobre todo en Call Me By Your Name, y genera una textura
muy peculiar que creo que podría ser su sello.
Pues hemos terminado con el director.
Vamos con la película.
Vale, pues acabamos de escuchar, grabándonos en una de la peli, un trocito de ella.
Vamos con el guión, Miguel, cuéntanos.
Bueno, pues la película, como ya hemos visto, es la historia de dos personas que se encuentran
a través de su trauma compartido.
Pero bueno, si vas más allá, se trata de una experiencia un poco más profunda, existencial,
sobre rastrear tus raíces buscando un nuevo camino hacia el futuro.
Para Guadalino, de hecho, la película, él dijo en una entrevista, la película es una
meditación sobre quién soy y cómo puedo superar lo que siento, especialmente si es
algo que no puedo controlar dentro de mí.
Yo tendría cuidado acerca de Guadalino.
Quien habla castellano, Guadalino.
Mejor que yo inglés.
Pero es muy interesante porque sí que cierta o esta película se cuenta con el tema del
canibalismo, pero todos tenemos algo dentro que no puedo controlar.
Sí, pero no canibalismo.
En mayor o menor medida, sí, pero bueno, es un mensaje que no puede calarte.
Una metáfora.
Bueno, como ya hemos hablado, el guión de Bonzano está basado en la novela homónima
de Camille de Angelis y fue adaptado por David Kajnakic, que ya había colaborado con Luca
Guadalino en otros proyectos como Cegados por el Sol y Suspiria.
Parece que...
Ah, por eso antes cuando has nombrado David has dicho el guionista David.
No te has lanzado con el apellido.
Totalmente.
No recordaba.
Y yo me voy a hacer un chaparete.
Yo no quiero eso.
Yo no quiero eso para mí.
Vale, entonces parece ser que la productora Teresa Barck le hizo llevar el libro a David,
lo cual es un poco...
Teresa Barck seguro que no es una localización de...
La he agonizado.
No te preocupes.
Pero le hice llegar el libro y le dije, oye, este libro me ha recordado a ti.
Ya, ya, ya, cuidadito.
Bueno, entonces...
Y él dijo, ¿por qué lo dice?
Mientras estaba comiendo el brazo de un amigo suyo.
Me está chupando los dedos de otra persona.
Vale, pues eso, le mando el guión porque pensaba que iba...
Que iba mucho con su estilo de captar historias emocionales dentro de géneros poco convencionales.
¿Qué pasó?
David se lo pasó a Guadagnino, el cual no podía comprometerse,
porque estaba ocupado en otros dos proyectos, por lo cual...
Puede que la serie que yo no vi.
La de What Made Me a...
La de How I Destroyed You.
Sí, sí, probablemente estaba en eso.
Y nada, entonces le dijo, no puedo comprometerme en un par de proyectos.
Tíralo tú, te dijo.
¿El guionista?
Tíralo tú... bueno, no, no.
Tíralo tú.
Atento, estoy bien.
Tíralo tú.
Sí, entonces...
Y fue como un joven, ¿no?
Que empezó el guionotro.
Efectivamente, efectivamente.
Lo que pasó aquí es que David lo comentó con otros directores, de hecho, incluso...
Bueno, yo no lo conocía, pero Antonio Campos,
pues un estadounidense, lo estuvo comentando con él también,
el cual también parecía bastante ilusionado con la idea, pero...
¿Eso es guionista?
Eso sí.
O sea, guionista dijo, hay un programa en televisión,
guionista busca director, ¿no?
Sí, sí.
Y ahí, en mis anuncios...
Bueno, bueno, yo se conocía, yo se conocía y...
El Diablo a todas horas, creo que de Antonio Campos,
que a mí me encantó.
¿Cómo se llama el chico este que hace de Spiderman también?
No me acuerdo.
¿Cuál de todos?
El último, no recuerdo ahora.
Es que tengo muy mala memoria últimamente, se me está pegando el día, Liste.
Yo es que de Superhéroes y demás, no me acuerdo del chico este...
Tom Holland.
El que va destruyendo los johetos, ¿no?
Tom Holland es el último.
¿No era el segundo?
¿No? ¿Era el tercero?
Vale, de acuerdo, bueno, el tema...
Nada, como estaba liado, se lo mandó a Antonio Campos,
el cual parecía bastante ilusionado, pero claro,
había algo dentro de David que decía,
esto es de Guadalino.
¿David qué?
Es de Guadalino, de Cajmali.
Estaba en los estudios, mirad, entonces igual no...
Pero bueno, se lo mandó y cuando obtuvo el guión,
le hizo un one shot, una última, le dijo,
oye, Guadalino, que es como le llamas,
echar un ojillo a esto...
Nino.
Es Nino.
Nino.
Y atento, porque Guadalino le dijo,
tengo como una ventana de tiempo, ¿no?
A Windows Time, le dijo, si se apunta Timmy...
I mean.
Es como cuando sales el sábado con los amigos y dices,
si se apunta Timmy, venga, voy yo, me lío.
Sí va Johnny.
Sí, sí, literal.
Y entonces dijo, pam, y funcionó.
Una vez en el...
Y entonces luego Campos le dijo, oye, ¿qué es hijo?
Ya, lo siento.
Verás.
Se fue, se fue.
Una vez en el proceso de...
Pero le ofreció otra serie,
una serie de HBO que se llama Investre.
Muy buena, muy buena.
Y en la haya vista.
Como ya sabéis, que conocéis bastante al director,
Guadalino deja mucho a los actores hacer,
adaptar ese guión también por parte de Kacmalik.
Y se trabajó mucho el guión con Timmy,
con Timmy Chalamet,
que ya sabéis que también le gusta mucho meter baza,
ver cómo se siente con el personaje, etc.
No, no soy el arduo.
Meter el pc5.
Para hacer que sí que le gusta tener esas...
Tú no has terminado de otra manera.
Hasta que Timothee dice, yo voy a ser el puto amo.
Yo quiero manejar gusano con los...
Claro, al principio no quería,
pero luego cuando vio que le gustó, por eso en la segunda,
y dices tú, pues esto cómo te no te gusta,
porque le gustó.
A él le dijo, esto se hace todos los días.
Pasaba en una selva y él dijo,
¿y si lo hacemos en un desierto?
Total, bueno, entonces, nada,
a él sí que le gusta tener como esas conversaciones iniciales
de ver cómo se siente con el personaje.
Y sí que se adaptó mucho el guión, las conversaciones por él.
Y por otro lado, Taylor, Marín y Mark, que hace de Sully,
son bastante más adaptativos.
Sí, muy chulo.
Todos los personajes son muy turbios.
Pero mejor...
Luego lo comentaremos también.
No, no, no, muero.
Ya no quiero más.
Según Cactanick, su principal enfoque era mostrar a Marín,
no como una joven con tendencias caníbales,
sino como alguien profundamente vulnerable.
Le salió regular la interacción.
Sí, sí, pero sí que es cierto que va muy de la mano
con lo que veníamos hablando, ¿no?
Como esta persona que no le importa muy bien lo que está ocurriendo,
sino cómo se siente respecto a ello.
La idea entonces era subvertir estas expectativas del género
al presentar este canibalismo, no como un recurso de horror,
sino como una metáfora de la lucha interna,
me como se el meñique o no,
sobre la aceptación y sobre su restrecho social y familiar.
Cactanick trabajó en hacer que las relaciones entre los protagonistas
evolucionara de forma gradual
para buscar una atmósfera íntima y un poquito más emocional.
Al final, yo creo que es algo que se ve en el guión en general
y en toda la película como esta pelea continua
entre el horror y entre el romance
que nunca se ve muy bien y que hace que den esos saltos.
Sí, incluso la relación de los personajes,
que no sabes hasta qué punto, movidos por ese canibalismo,
igual sobrepasan ese amor y se llegan a morder entre ellos.
Entonces, esa tensión de amor odio,
yo creo que es un equilibrio, sobre todo al principio,
que dices, ostras, no sabes por dónde van a salir.
Luego, cuando ves que la relación de amor ya empieza a consolidarse,
pero al principio, esa vulnerabilidad dentro de un entorno tan íntimo
también genera unas sensaciones.
Hay como un momento en el que, o sea,
durante media hora de película, si en algún momento
Liz se lo hubiera comido o ella o él...
Te encaja, por fin, en un hecho muy espectacular.
O al revés. Sí, sí, totalmente.
Vale, pues nada, a pesar de este horror,
que es inherente a la situación, al final se están conviviendo personas,
la relación entre ambos está cargada de ternura
y hay como un equilibrio entre lo brutal y lo emocional
que hace que quieras entrar en la película.
Y es esta construcción de este vínculo a lo largo del viaje
pues una pequeña reflexión sobre la culpa, sobre el rechazo
y sobre, al final, lo que tratan un poco sus películas,
ese deseo de ser aceptados como son.
Sí, de hecho, yo creo que a nivel de guión,
creo que es interesante el generar un clima
en el que, siendo los personajes caníbales,
tú llegas a sentirte identificado con ellos
porque el canibalismo se queda en un segundo plano.
Al final están armando de sensaciones y emociones totalmente primarias.
Y yo creo que es complicado a nivel de guión que tú...
o desarrollar la peli, porque luego te vengo a Danilo
y a la hora de contarlo también lo articula muy bien
el hecho de que yo me sienta identificado con gente
que se está comiendo a otra gente.
Claro, hay un... En el libro, que ya os lo adelanto,
que es parte de mi sección, se cuenta, la autora dice que su madre...
no le leía, cuando era pequeña, cuentos,
porque en esos cuentos ella nunca era la princesa,
ella era el monstruo, ella era la persona que devoraba.
Entonces sí que es interesante ver y hacer como esa pequeña reflexión
de qué es el personaje dentro de la historia.
Hay algunos personajes también como Sully o como su propia madre,
ya lo vemos, que se convierten en estos símbolos
de la inevitable confrontación,
lo que Marin podría llegar a ser, a convertirse,
si no encuentra esta forma de frenar sus impulsos.
En un principio, Kaskanyk comentó que Sully iba a ser un personaje más enigmático,
pero fue el propio Mark Rulans el que le dio una profundidad
mucho más inquietante, pero que...
Aún así creo que es bastante enigmático.
Sí, es bastante turbio.
Está muy bien, pero es que cuando lo ves lo primero que piensas es turbio,
antes de... ¿Qué hace este señor?
No tengo un euro, señor.
Si lo tengo suelto, déjeme irme.
Sí, pero si lo tienes, igual se lo das.
Sí, para que no te haga daño.
Solo quieres correr, ¿no?
Y eso le dio como una profundidad un poquito más inquietante,
haciendo que fuese más que un antagonista,
alguien que puede reflejar esos miedos y esos futuros posibles de Marin.
El guión en sí no sigue una estructura tradicional de tres actos,
y aunque es una película, es una road movie,
el destino en realidad no es un lugar tanto físico,
que sí que es cierto que van a buscar a su madre,
pero al final el viaje, ¿no?
Son esta autocompresión, los amigos que hacemos por el camino,
sobre el premio, esta gracia de siempre.
Para mí una de estas decisiones acertadas de Kaz Ganik
fue la forma de tratar la violencia,
en vez de tratárselo en ese canibalismo, en ese horror,
lo utiliza como una metáfora para la imaginación.
Y estas escenas, incluso cuando consume carne, no son sensacionalistas.
De hecho, vosotros lo sabéis,
no me gustan las películas como muy de horror,
como muy de miedo, muy explícitas.
Y sin embargo, la primera vez que la vi,
creo que hay un límite muy claro,
te das cuenta de que enseña lo necesario para que...
La sutileza, ¿no?
Para que estés en la historia, es muy importante.
Para Kaz Ganik fue una referencia muy grande
a la peli Badlands de Terence Malick,
en la que, bueno, unos jóvenes que están fuera de la ley
luchan por entender su mundo mientras se enfrentan
a sus propias naturalezas destructivas.
No la he visto, la verdad.
A mí me encanta, no veo muy bien la similitud, pero...
Es algo que él mismo comentó en una entrevista,
imagino, bueno, si realmente trata de esto, ¿no?
Si quizás lo rural...
Si está luchando sobre esas propias tendencias destructivas
o que no pueden...
Sí.
O algo, ¿no?
Vale.
A mí personalmente, ya como a término personal,
la vez que he visto la película me resulta muy interesante
esta capacidad de llevar de un extremo a otro emocional,
que entiendo que nace de alguna forma de esta fusión de género,
lo que estaba comentando entre el romance y el horror.
Por ejemplo, en el principio de la película
se están pintando las uñas, que de hecho tú no sabes
si a ella le gusta su amiga porque están como muy cerquita,
muy contándose las cosas y tal.
Sí, parece más como que se gustan un poco, ¿no?
Hay un amor, hay un encariño...
Es que hay cierto vínculo en la película
entre el canibalismo y lo erótico.
Sí, el deseo.
En la película sí.
En la película claro.
Sí, sí, sí, total.
Nada, entonces de repente le coges la mano y arranca el dedo.
Y este es el primer gran vuelco que hace que de repente
te dices a correr, ella te da que cambiar de vida,
tú estás a correr con ella, su padre se despierta.
De hecho, a mí me resultó porque
en el principio de la película
ella se mete al cuarto y su padre la encierra.
Y tú dices ¿qué pasa?
En plan, ¿por qué la están cerrando?
Y siempre ponen la culpa del padre, lógicamente.
En plan, ¿qué haces cerrando la chiquilla?
Un padre super controlador, un agresor...
Entonces cuando le das la vuelta y cuando comprendes, oye...
El primer giro de guion de la peli,
yo que evidentemente no lo había visto ni sabía de qué iba.
Y creo recordar que en el tráiler
tampoco desvelan nada del canibalismo,
que si es así me parece un acierto brutal
porque te destrozaría ese primer impacto
que te genera esa secuencia.
Yo creo que te quedas un poco a cuadros porque no esperas
bajo ningún concepto ese giro en ese momento.
O sea, casi que te da igual, te diría,
porque en realidad cuando la estás viendo
no se respeta al tráiler, pero yo lo sabía
y a ver así, cuando la estaba viendo, estaba dentro de la historia,
que ni me acordaba.
Claro, y tú pensé que estás utilizando todos los códigos
que son del romance, que son de ese punto de erotismo,
te pega un crujido así en el cuello...
Sí, sí, absoluto.
Y luego, y aparte, a partir de ese punto,
que sí que más o menos parece que la historia
va a como a un nivel lento de velocidad,
adquiere un ritmo brutal porque ya empieza a correr,
llega a casa corriendo, nos tenemos que mover,
tenemos que huir y es como, bueno, bueno, bueno,
espera, espera, espera, esto acaba de ir a una velocidad
que quizá no me lo esperaba precisamente
por esos códigos del romance, del despertar de la sexualidad
de los adolescentes, ¿no?
Crea un clima muy bueno para luego el mismo reventarlo.
Sí, claro.
Yo creo que lo hace genial.
Vale, y nada, esto también ocurre de nuevo con su madre,
por ejemplo, cuando te pega como ese jumpscare prácticamente
en el que te das cuenta que no tiene manos,
ella está leyendo una carta de amor que le ha escrito su madre,
no es erotismo, pero vuelve a ser cariño, vuelve a ser,
por fin ha llegado aquí, te quiero, la ha encontrado
y de repente te pega un jumpscare de que su madre no tiene manos,
te quedas ahí un poquito...
Y luego al final de nuevo, con todo el tema de Sully,
cuando ya están ok, cuando están correctos y a la biblioteca,
el comodísimo y de repente ve el maletín de Sully y dice,
hostia, que se lia algo de aquí.
Y vuelve a ocurrir, por este tipo de elementos,
Bonzanole resulta ser una fusión única entre el horror
y ese melodrama romántico que es muy poco habitual
y se crea como esta historia íntima sobre el amor donde los protagonistas,
aunque son aterradores, pues siguen siendo humanos
y no hacen otra cosa que buscar esa conexión y ese significado.
Así que por mi parte, mis aplausos por ser atrevidos
con este tipo de historias y...
Pues sí, desde luego que sí.
Y además, cuando has dicho lo del dedo que le come el dedo,
cuando la amiga le da la indicación para ir a su casa,
le habla de postes de luz, o sea, no le da como una dirección de una calle,
sino le dice, subes por los postes de luz y no sé exactamente
cómo es y podemos hablar luego quizás de eso.
De la película visual de Arseny Kachaturang, que es el direcfoto.
No sé si podemos...
Sí, porque el apellido tiene... lo vamos a llamar Arseny.
Arseny.
Es un nombre obviamente clarificador.
Bueno, pues si os parece, pasamos un poquito a hablar de concepto de la fotografía
y me pareció interesante hablar de este director de foto.
Es un director de fotografía que nació en el 93 en Minsk, en Bielorrusia.
O sea que es un director de joven muy, muy joven.
O sea que tiene una carrera por delante muy, muy prometedora.
Y bueno, acabaría pues rodando por toda Europa y estudiaría en Nueva York.
Y bueno, pues este director de fotografía, bueno,
pues empieza a tener este primer contacto con la dirección de fotografía
a través de su madre, que es fotógrafa.
Y ya desde pequeño pues empieza a tener este contacto con el hecho de transmitir
con las imágenes.
Él empieza con la fotografía, también hace diseño gráfico,
empieza a pintar.
Hasta que quiero recordar que en una clase extraescolar
pues empieza a tener ese contacto con la parte de la imagen en movimiento.
Y según dice, pues como que le captura muy potentemente y dice,
bueno, tengo que ir, tengo que ir por ahí.
Y también muy curioso es cómo llega este director de fotografía a Bones and All.
Y es que coincidió con el director en un festival de cine español en San Sebastián.
Y tal cual cuenta él, dice que Luca vio mi trabajo cuando presidía el jurado
del Festival Internacional de San Sebastián en 2020,
donde Beginning, que es una de las películas que llevó la fotografía,
Arseny, pues ganó cuatro premios en este festival.
Al tiempo, a los meses, recibe una llamada de Guadagnino
y le propone un proyecto que tiene en mente.
Pero al final, bueno, pues se ve que ese proyecto no terminó de cuajar.
No sé si era la serie esta que dice Cristian.
Pero bueno, finalmente, pues ya con este nuevo guión de Bones and All,
pues ya se ve que se lo propuso y ya la cosa parece que ya empezó a funcionar.
Este director de foto, pues dice que el cine español tiene una gran inspiración para él
y como peli favorita viridiana del 61 del gran Luis Muñoz.
O sea que bueno, parece que tiene ciertas influencias.
Luego veremos también que en la propia peli, otros directores de fotografía españoles
como Néstor Almendros y demás, pues también fueron una gran influencia,
sobre todo a la hora de contar esos grandes paisajes, esos atardaceres,
esas horas mágicas que nos evocan ese ambiente tan romántico y tan cercano.
Pero bueno, según nos comenta Arseni...
¿Néstor Almendros es español?
¿Néstor Almendros? Sí.
¿Sí?
Es el único director de fotografía español que tiene un Goya.
O sea, un Oscar.
Ah, ¿sí? No pensaba que era mexicano.
No, no, no.
Y...
Sí, lo es.
Está ya comprobado.
Está ya comprobado. ¿Es en Google?
Sí.
Bueno, y según comenta él, dice que ningún plano resultó sencillo de rodar,
pero si tuviese que destacar alguno, según palabras sexuales, dice,
el más difícil fue en el que Maren, leyendo por la noche en su cama,
en su camioneta, mientras Lee duerme, podemos ver una luna detrás de ella.
Vale.
Tuvimos que volver a ese sitio, debajo de un puente, tres veces para conseguirlo.
Hubo lluvia, granicios, lámpagos y toda clase de desastres que impedían
grabar o eran otra vez en ese lugar.
Al final, cuando ruedas en exteriores, no tienes tanto control sobre lo que pasa
y esta peli, como luego veremos, como road movie que es,
pues la mayor parte de esta historia va a pasar en los exteriores.
Entonces, para la versión de fotografía es muy importante tener ese control de la luz y demás.
Y según él, hablando de la propia película, dice que él puede decir que es una película
sobre dos jóvenes enamorados y que sucede que también son caníbales.
Así que hay una cierta cantidad de violencia, sangre y crueldad.
Pero no queríamos glorificarlo, romantizarlo o darle ningún valor sorprendente.
Eso es lo que son y eso es lo que hacen.
Pero sobre todo es una película de dos jóvenes enamorados.
Es una película sobre un viaje tanto físico como interno.
Y están intentando descubrirse a sí mismos.
Así que para mí esto es bello y espero haber hecho justicia.
Al final, volvemos otra vez a esa idea recurrente de conectar lo romántico con la violencia.
Pero al final ese romanticismo impregna toda la película.
Entonces la imagen tiene que ir a corte de esa atmósfera.
Es una película que se rodó en negativo.
Y sobre todo destacar que se rodó con lentes de los años 80.
La película está ambientada... No sé si queda claro en la película.
No sé si en el libro especifica.
Se dice que durante la candidatura de Riga, ¿me parece?
Sí, en los años 80.
Quisieron usar estas lentes de los años 80 para evocarnos esa imagen.
Esa textura de la imagen.
Usaron las Super Speed MK2 y las Ultra Speed MK2 también.
Y se rodó en negativo y usaron tanto Cámaras Arri como Panavisions para grabar.
Y también usaron en algunos momentos algunas lentes de los años 70.
Entonces yo creo que el decidir usar estas lentes también nos ayuda a que esa imagen nos evoque o nos traslade a este momento histórico.
Yo creo que... No sé si en el libro lo comentan, pero yo creo que contextualizar esta historia en los 80,
posiblemente en una época en la que no había tantos avances científicos como para poder identificar si alguien mata a alguien, ADN y demás...
No, no, no. Fue una apuesta.
Ah, bravo, bravo.
Y yo creo que eso ayuda mucho a que la historia tengan esa libertad para poder, entre comillas, generar estos asesinatos con un poco más de impunidad.
Pero bueno, digamos que en cuanto a la foto, pues tiene ese toque muy íntimo.
Entonces el soporte de los planos va mucho cámara a hombro, planos muy cerca de los personajes, estas lentes que nos transmiten ese ambiente de los 80.
Luego en cuanto a colorimetría, pues sí que hay unos pantones de color como muy, podríamos decir, dentro del espectro romántico,
esos tonos amarillos, cálidos, de cercanía, salvo en los momentos de ahí un poquito más de tensión.
Y apenas aparece el rojo dentro de la colorimetría para, yo creo, darle esa potencia a los momentos del canimalismo como tal.
Y se resabana ese rojo como ese color que vamos a usar solo en estos momentos.
Pero al resto usan como unas paletas de color muy análogas para que el ojo esté cómodo.
Y quizá esa colorimetría nos ayuda también a que percibamos la peli como algo romántica y algo cercana.
Y poquito más de comentar de la foto. Si queréis comentar algo de la foto, vosotros que os transmitiese algo.
No, pero yo creo que el montaje, por ejemplo, que es de Marco Acosta, que creo que apoya bastante el trabajo de foto, o sea que va en la misma línea.
Porque Acosta, que llevaba ya varios años trabajando con Guadagnino, aprovecha de manera muy efectiva el uso del silencio.
En lugar de llenar cada escena con música o diálogos, Guadagnino y Acosta permiten que ciertos momentos permanezcan en silencio,
que son cruciales para la atmósfera de la película.
Uno de los aspectos más destacados de la dirección de Guadagnino es cómo captura la intimidad en medio de su lucha por encajar en un mundo que lo rechaza.
Planos largos, muchas veces con cámara en mano, como dices, que sigan al personaje mientras atraviesan paisajes superabiertos y amplios.
Como simbolizando vulnerabilidad, aislamiento.
Claro, yo creo que todo ese paisaje de estos los hace sentirse más solos, como un poco insignificantes al lado de...
Al final estos devoradores son como outsiders, no están aceptados por la sociedad, entonces qué mejor que transmitirlos en soledad.
Y es que además para generar contraste con el color rojo, también generan contraste con la tensión.
Los momentos tensos son muy tensos porque dejan que las escenas respiren, permitiendo momentos de silencio, reflexión, reforzando la carga emocional.
Y aunque el canibalismo es... ¿Cómo se llama el director de fotos? ¿Arseny?
Arseny dice que no se queden tan centrados en el canibalismo, yo creo que sí que es algo central en la narrativa.
No se muestra de una forma, como ha dicho antes Miguel, muy sensacionalista o morbosa.
Pero es una herramienta para hablar de temas más profundos, pero una herramienta central para hablar de temas más profundos.
La violencia está presente.
Pero como se muestra con una estética refinada, muy artística, permite al espectador enfocarse en la parte emocional de los personajes.
En lugar de solamente en el choque visual, que por lo mejor en Suspiria Guadagnino sí se ve un choque visual mucho más impactante, sobre todo en el último tercio.
Y yo creo que el paisaje juega un papel crucial, esos vastos escenarios rurales de Estados Unidos, de pueblos olvidados, solitarios y demás.
Entonces esa relación entre el paisaje y los personajes es una de las características más fuertes de su estilo, en Call Me By Your Name.
Donde si no va a ocurrir esa historia de amor, sino en un pueble italiano, un verano.
Que crea contextos perfectos para situaciones quizás no lo tanto.
Eso es con Suspiria, por ejemplo, que utiliza el berlín dividido con un clima de tensión extremo.
Entonces el ritmo de la película es deliberadamente lento, y lo cual permite que la trama avance con una sensación de que no puedes evitar que pase lo que está pasando.
Porque todo va con peso, porque las cosas pasan porque así son.
Y cuando caen, pues eso lo hacen con peso del espectador, tiene tiempo para procesar lo que está sucediendo.
Y no solo a nivel de la trama, sino a nivel emocional. Creo que es una película que está muy bien llevada a nivel de ritmo.
Porque nada de lo que sucede lo ves fuera de lugar. Cuando lo que está sucediendo está totalmente fuera de lo entendible y de lo normal.
Sí, y tampoco es una película que tenga muchos diálogos, quiero recordar.
Es decir, es una película que te cuentan más con los silencios, como tú decías, que con en sí los propios diálogos.
Creo que es tan genial.
Yo creo que tiene mucho que ver también con eso, con que todas estas cosas que es inevitable que ocurran, debe ser natural que pasen.
Si ellos son caníbales y no pueden evitar hacerlo, el hecho de conseguir que parezca algo inevitable es parte de la gracia.
Es como todo lo que es, es lo que denota que han conseguido su objetivo.
Totalmente.
Hay más apartados en la película que suman mucho a que se cuente como puede ser la música.
Hablado de silencios, pero también la música creo que tiene cierta importancia.
También es bastante interesante. La banda sonora fue compuesta por Trent Reznor y Atticus Ross.
Todos los nombres son facilísimos hoy.
Ellos no conocían sus nombres y conocían su grupo, Nine Inch Nails.
No conocían alguna canción, es verdad que no son al 100% mi estilo, pero en especial una adaptación que tienen de una canción de Johnny Cash, la de Heart, es como muy famosa.
Tienen una adaptación que en realidad si comparas al gran Johnny Cash, encima cuando la cantó, lo motivo con el tema de Nine Inch Nails.
Pero me recuerda todo.
Y más adelante, han seguido con otras películas, entre ellas la película de la Tortuga Ninja.
Muy bien.
Para que veáis todo el registro que tiene.
Respecto a la Tortuga Ninja, tenemos un amigo muy fan de la Tortuga Ninja, José. Un saludo de aquí.
O la película de Killer, podemos afirmar que son capaces de una gran variedad.
Esta sí que fue la primera colaboración de este dúo con Guadagnino.
En general, Guadagnino quería que la música estuviese muy presente en la película, como estaba comentando Christian, y que pareciese un poco parte del paisaje.
Por eso es que escuchamos, muchas veces se muestran estos paisajes y al mismo tiempo comienza a sonar una pequeña melodía o unas pequeñas notas sobre todo de guitarra.
Y bueno, parece que esta colaboración con Guadagnino salió muy bien, porque se engañaron también de challengers.
Uno de los temas clave, a nivel un poquito más técnico, en la banda sonora es el uso de esta guitarra acústica y de las texturas sonoras que contrastan con esta natura.
Con esta naturaleza oscura y perturbadora de la película, acentuando estas partes más humanas y emocionales de los personajes.
Como que una guitarra acústica no te la esperas para una película así y genera ese contraste con lo oscuro.
También como tiene esos sonidos suaves para todo este tema de romance, etc. y algunos momentos más dinámicos cuando pega el vuelco y vuelve el horror.
También tiene algunos sonidos más dissonantes que permiten que esta música acompañe perfectamente con este tono ambiguo y más emocional de la trama.
Además de los temas originales, la película incluye algunas canciones de época, algunas piezas populares como el mítico Lick It Up de Kiss.
Que lo baila Timmy cuando van a esa casa de este tipo que matan al principio, que se llevan la camioneta.
Oye si tienen el disco de Lick It Up de Kiss y la baila allí, también tienen Amarillo by the Morning, The Your Trade o The Sun Always Signs on TV de Aha.
Para mi gusto combina muy bien con la banda sonora y dan pues esa sensación un poquito más nostálgica que te ubica temporalmente en los años 80, era lo que estábamos comentando antes.
Inicialmente el dúo compuso 10 temas antes de ver el corte final, aunque cuando vieron el trabajazo que había hecho Guadagnino se motivaron increíble y terminaron 7, me parece que 27.
Le hicieron a ellos y le dijeron que toman lo que corta, cuando quieras cortas.
Pero todas no aparecen en la película.
No, parece que algunos se quedaron fuera. En general la música ayuda a sentar el tono emocional y ambiguo de la película y utiliza elementos minimalistas para destacar estos sentimientos de aislamiento, de amor y de conexión con los personajes.
A mí me parece una mezcla perfecta de estos sonidos acústicos y de los eléctricos también.
De hecho yo creo que lo que hablábamos antes de los silencios que aparecen en los propios diálogos y el montaje, yo creo que incluso la música también en los momentos de violencia máxima también se quedan como calladas.
Hay un silencio absoluto donde realmente quien tiene todo el peso de la situación pues es esa forma de narrarlo y estos personajes que interactúan.
De hecho la idea es que la música sea un personaje pero no el único personaje. Por supuesto tenemos interpretaciones increíbles.
Que son las que sostienen todo el peso de la secuencia y por eso genera esa tensión.
Porque quizás estamos acostumbrados que estos momentos de violencia absoluta estén contados de una manera muy particular, con sonido, música, todo muy rimomante.
Y aquí todo el peso recae en, te lo cuento de una manera determinada y esas interpretaciones. Que por cierto que nos pareció en las interpretaciones de la peli porque es muy minimalista, muy cercana, pero yo creo que con muy pocos personajes.
Yo destacaría a Mark Rylance. A mí me parece increíble lo que hace con el personaje.
El personaje me parece ya escrito de una manera impresionante y es el que más me convence y el que más me embauca en la pantalla.
Pero tanto Taylor Russell te la crees totalmente yo creo y Dimutic Charlamagne que siempre está bien.
A ver, yo creo que es curioso que todos los personajes ya tienen cierto nivel de perturbación porque no dejan de ser caníbales. El hecho de que haya uno que perturbe a los perturbados tienes que adquirir un nivel muy muy alto de contraste con ellos.
Pero en cambio hacia el espectador no notas que está tan subido. Tiene cierta parte de realismo que te puedes creer que ese tío te lo puedes cruzar por la calle. No es un personaje pasado de rosca.
Yo creo que hay el acierto ya no solo de interpretación sino también la dirección de Mark Rylance muy bien hasta donde para tener ese equilibrio de realismo para poder conectar y naturalidad en los momentos de violencia.
Claro, justo yo creo que cuando llegas a un personaje y un poco consigues o la persona que ha escrito, que ha guionizado esa interpretación se da cuenta de que puedes aportar más, de que puedes hacerlo tuyo, pero casi sin pedirlo.
Porque has actuado, has hecho de cierta forma y has dicho que tú eres más Sully que el Sully que yo tenía escrito. Creo que eso habla genial de él.
Ellos dos pues también están increíbles por supuesto. Es verdad que con Timothy a mí me pasa a veces que no puedo dejar de verlo como el tipo guapetón y guay que es. Y hay veces que eso no llega a sacarme porque es cierto que es una muy buena historia y está muy bien ambientada y es espectacular.
Pero sí que en alguna ocasión podría restarme un pelín más. Ella la verdad que la veo totalmente desolada. Creo que también es un acierto aquí. No comentamos tanto todo el tema de vestuario y todo el tema de peluquería, etc.
Pero también hace que en un principio con ese flequillo que tiene y esa mirada, hacen que también en un principio cuando no has conectado todavía, digas a esta chica que le pasa algo raro antes de poder entrar.
Luego hay otros personajes secundarios como Andrés Holland que es el padre por ejemplo. También lo hace bien por supuesto, pero no tiene como ese tiempo para poder demostrar.
Sobre todo yo creo que la clave aquí es que los devoradores que tienen el reto ese de normalizar algo que no es para nada normal y aún así que puedes conectar con ellos.
Yo creo que esa es la gran dificultad totalmente. Y aparte también unos personajes que hay que interpretar con muy poco diálogo.
Al final tienen que expresar mucho más con todo lo que implica lo que no es el diálogo como tal. Pero en la parte de la mirada a gestos, eso es la sutileza. Estamos todo el rato hablando de esas sutilezas en contraste con los planos generales.
Sí que es también interesante, yo destacaría dentro de las... por supuesto hay otros actores, también la hermana de Lee etc. Pero hay uno que me parece interesante que es Michael Stulbar que es este devorador que tiene como acompañante a alguien que no devora pero que lo mira desde el árbol.
Me parece que lo hace genial como otro ejemplo de lo que te podrías llegar a convertir si no te paras a tiempo. De hecho es la persona que les cuenta lo que es hacer un bonzo.
Sí de hecho, yo creo que dentro de todos los personajes salvo el padre, estos son devoradores.
Que tengan más peso y te cuentan la historia desde el punto de vista de los devoradores. Y yo creo que incluso como están orquestados los personajes pues es muy interesante ver cómo este maldicio puede llegar a distintos destinos en función de cómo tú te lo gestiones.
Tenemos a Sully que parece que tal, tenemos la madre que incluso llega a un extremo, luego otros devoradores que parece que lo normalizan y conviven con ello. Y entonces yo creo que es muy interesante en ese espectro con muy pocos personajes como son capaces de a través de la dirección de actores llevarte a cómo llega.
Evidentemente surge del guión pero hay que materializarlo con los actores.
Totalmente también aparece o desaparece el Francesca Scorsese.
Sí es Sully que estuvo en la película pero al final no superó el corte de montaje y su personaje desapareció.
Podríamos catalogar esto como anécdota.
Pasamos a las anécdotas de este película.
Por supuesto.
Venga vamos para allá.
Pues comienza tú Miguel.
Muy bien, pues interesante.
Justo estaba comentando el director Luka Guadagnino declaró en un vídeo para Vanity Fair que el flequillo del peinado de Maren procede directamente del corte de pelo de un personaje de El silencio de los corderos de Jonathan Demp.
El personaje de cuestiones Stacy Huska que está interpretado por Lauren Rosselli.
Sí, muy bueno.
Como que procede directamente a que se refiere.
A que es una referencia.
Recordemos que Guadagnino subdoctorado lo hizo sobre Jonathan Demp.
Eso es.
Sí, durante la producción de la peli el equipo pues sufrió un robo parece ser y el ayuntamiento de Cincinnati con el apoyo del alcalde y demás pues se acabaron aportando cerca de 50.000 dólares para gastos en seguridad.
Se imagino que para darle cierta seguridad al equipo y que no les han gastado tanto en esto igual ese millón que le faltó hoy de recalación.
El certificado de nacimiento de Maren dice que nació en en Menomoni, Wisconsin, que fue el lugar del famoso caníbal y asesino en serie Jeffrey Dahmer.
De Wisconsin también era Ed Gein, otro famoso asesino en serie que fue acusado de canibalismo.
Yo he estado la gente de Wisconsin y están todos pidiendo empadronarse en otro estado.
Total, total. Es interesante también que a mí me hace gracia que Luca Guadagnino a él le flipaba el amor que tienen los estomidenses por el maíz, por el corno.
Y claro, como no era americano pues no sabía muy bien cómo incorporarlo. No quería dejarlo como algo que pareciese raro.
Toma, ¿quién es una mazorca? Entonces en la tienda de comestibles en la que Maren y Lee se conocen se puede ver un despliegue aleatorio de maíz en una cesta metálica mientras Lee guía al hombre a la salida.
No sé cómo meterlo, pero aunque se lo metan aquí, ya lo habían comprado.
El millón que hemos palmado es un millón de euros en maizales.
Ese fue el millón que perdieron al final.
La mayoría del elenco de la película ha colaborado con el director en el pasado, Timothée Chalamet, Michael Stulbark, los dos estudiaron Call Me By Your Name, Jessica Harper estuvo en Suspiria,
Chloe Sevigny estuvo en la serie que me encantó, Willard, Willard y Francesca Scorsese que trabajó en Somos, ¿Quiénes Somos?
Aunque ella fue anunciadora originalmente como parte del reparto, como hemos dicho, no apareció.
Acabo de recordar ahora el que estuve viendo también lo de Francesca Scorsese, muy interesante porque parecía,
o sea todo lo que sabemos es que en la escena que parece ser que se eliminó estaban como ambos, ya era en el momento, no era una amiga de Maren, no era alguien de la familia.
O sea que ya era en el viaje.
Sí, porque ya tiene la...
Pues tendrá 30, no llega, quizás Francesca. A Francesca.
Sí, yo la sigo en Instagram porque saca mucho su padre y hace TikToks y demás.
Y no te gusta a ti, Scorsese tiene 24 años, casi no, del 99.
Vale, nada y eso salía, o sea había subido algún frame a su Instagram y salía ya conduciendo me parece Francesca, entonces se nos queda ahí.
Nada, respecto a la música que hablábamos antes, Ed Elkaín lanzó la famosa canción Famous Last Words, inspirada en la película, comentando
No puedo dejar de pensar en los cuesos y todo eso, esta es para Lee y para Maren.
La película trata temas similares al otro del álbum, debut de Kaín, Preach His Daughter.
Luego también comentar que el rodaje tuvo lugar en Chilicote, en Ohio y Cincinnati, también en Ohio.
Y por tanto esta sería la primera película de Guadagnino que está ambientada y que se realiza en el propio Estados Unidos.
O sea que, bueno, toda curiosidad también de esta película.
Y Chloe Sevigny reveló también en una entrevista que cuando Luca Guadagnino le pidió que interpretara un papel pequeño,
pero que sería fundamental en la película, ella respondió, iré por ti, aunque sea solamente una línea de diálogo.
Cuando recibió el guion se dio cuenta que de verdad solo tenía una línea de diálogo.
Y eliminaron la cena.
El compartido de cena con Ejéaz Correo José.
Es porque Guadagnino no entiende bien inglés y dijo, que solo viene para una...
Que solo si es una línea.
Ella es la que hace de madre, que no hemos hablado de ella, pero también muy bien. Sí que agradecer. La verdad que es una actriz muy cometida con lo que hace.
También que no podía... sí que solo podía tener una línea, no podía pasar la hoja del guion.
Eso es lo que pasa a la página.
Y luego este director, que ha pasado después de Bones & Oils, Cristán, cuéntanos, porque no sabemos muy bien si siguió, ha hecho alguna película después o esta es la última que tenemos.
Sí, sigue trabajando bastante. Después de Bones & Oils nos sorprendió con Challengers, que en España se llamo Rivales.
Mucho mejor el nombre en inglés, ya que Challengers es como se llama las competiciones semi profesionales del tenis.
El mundo en el que se ambienta la película.
La película sigue un triángulo amoroso.
De hecho, Challengers es como se llaman las competiciones de un montón de juegos en realidad.
Cuando eres casi profesional en un juego. Entonces me parece siempre muy acertado.
Y bueno, Zendaya, que es una prodigiosa ex jugadora de tenis, convertía en entrenadora de su esposo.
Completa el triángulo con su marido y el rival de su marido.
Entonces ahí Guadagnino explora temas como la competitividad, el deseo, el amor.
Todo dentro de la presión del éxito y la ambición deportiva.
De nuevo aquí entendemos que el tenis da igual y que solo importa...
Exactamente, solamente la herramienta es el vehículo que utiliza.
Entonces pues después...
Pero sí que será interesante quizás en esta película que ya no son estos marginados,
estas personas que están como al rat de la sociedad.
O sea, está cogiendo a gente que está muy por encima de la media.
O sea, ya no es una historia convencional casi.
Pero aún así el personaje de Patrick en la película es un tenista que no ha conseguido el éxito y que mal vive.
Por ejemplo, se podría decir que también tiene ciertos toques.
También es cierto que quizás tendría sentido que no siempre sean estos outcasts.
No como estas personas fuera de la realidad.
O sea, justo esta persona tiene los mismos problemas que tenemos todos los demás.
Sí, es otro contexto.
Y bueno, de Luca no podemos concluir sin mencionar que sus dos próximos proyectos,
que nos tienen muy expectantes, unos que es Queer y otros Separate Rooms.
Queer es la adaptación de la novela homónima de Borrocks.
Un relato introspectivo y crudo sobre el amor no correspondido con Daniel Craig.
Se estrenó en Venecia hace nada y tuvo críticas un poco divididas.
Pero casi todas sus películas realmente siempre tienen un poco de críticas divididas, quizás menos Call Me By Your Name.
Y ahora mismo está terminando Separate Rooms, que estrenará el próximo año con Leasy Dukes.
De la que poco se sabe, pero parte de la novela homónima de Pierre Vittorio Tondelli.
De la que sabemos que trata del romance entre un escritor y su traductor.
Parece que seguirá un poco en la misma línea.
Y eso espero porque yo quiero más y más de Guadagnino.
Antes me he quedado con una duda que te iba a preguntar antes a ti, Miguel.
Sobre todo cuando estábamos hablando de las interpretaciones y hablando del personaje que te apeta...
Bueno, el Solly, ¿no?
¿Que hasta qué punto este personaje ya se plasma así en la novela?
¿O hay un trabajo de guión y del personaje que lo...
Tú que te has ido a la novela, cuéntanos.
Si quieres te he hecho, puedo ir con mi sección, la que quiero comentar un poquito.
Entra por ahí.
Pues vamos allá con la sección de guiones.
Bueno, pues yo estuve leyendo el libro porque me parece interesante ver, poder coger el material...
¿Leer?
Sí, justo. De hecho, leer.
Poder coger el material original y ver cómo se transforma de alguna forma, justo en un guión.
Vamos a ver algunas cosas que son diferentes.
El por qué creo que puede haber ocurrido y vosotros me comentáis.
A ver cómo lo veis, quizás no lo veis como yo.
En primer lugar, tenemos la edad y el abandono familiar por parte de Marin.
En el libro, Marin es abandonada por su madre, no por su padre, el día de su 16º cumpleaños.
Y es el padre el que se come las manos.
Efectivamente, el que se muere las uñas de más.
Y va el padastro y llegó al cojo.
Vale, entonces justo eso.
O sea que en el libro están invertidos los errores.
Sí, totalmente.
Pero entonces en el libro es al revés.
Sí, justo.
O sea que no es el otro.
Vale, entonces yo entiendo que quizás, sobre todo el tema del padre y la madre, no puedo llegar a una lógica de por qué ha ocurrido.
Quizás le funcionaba mejor simplemente.
No sé muy bien por qué habrán tomado estas decisiones en realidad.
Imagino que el tema de la edad sí que es algo...
Pues eso sí, él viene de Italia, de España, donde le da solo 18 años, a partir de la cual ya eres mayor de edad.
Pues en América es algo de 16 y quizás por eso su madre en este caso decide abandonarla.
Es cierto también que ella en el libro vuelve a ver a su madre.
De hecho va a buscarla en un principio a donde ella vive.
Que en la peli sería el padre.
Efectivamente.
Ella va, la encuentra y la encuentra con sus abuelos.
O sea ella ha vuelto a casa de sus abuelos.
No, parece que esa familia no comía nada.
Entonces se encuentra con sus abuelos, la ve un poquillo mal, pero con su padre la está reconfortando y dice,
no, si me ha dejado o lo que sea, no voy a volver.
Ella la ve y decide irse y buscar a sus padres.
Y es en esta ciudad de hecho donde le ocurre lo de la mujer, lo de esta anciana.
Y ya conocer a Sully, etc.
Por supuesto también es diferente la revelación del primer canibalismo.
En la película se introduce el canibalismo de repente.
Se hace de una forma sorpresiva que es como justo la gracia.
Y en el libro desde el primer párrafo ya sabes que ya se comió a su niñera.
De hecho es ella a mi mamá que te lo cuenta.
Me comí a mi niñera.
Buenos días, soy Marin.
Entonces en la novela se enfocan en este desarrollo emocional de Marin.
Más que en el choque inicial.
Y en el cine sí que se busca retener esta revelación de este canibalismo.
De construir tensión hasta llegar a ese momento y golpe en el cuello.
Para sorprender al espectador de esta forma más efectiva.
También es ligeramente diferente o por lo menos se hace de forma diferente el contexto socioeconómico.
En la película queda muy claro que están muy decadentes.
En cada sitio que adquiran es casi peor que el anterior.
Está despertado, todo sucio, hace frío.
No les permite estabilizarse y por tanto progresar.
Sino que moviendo un sitio a otro van subsistiendo como pueden.
Pero si que me llama la atención en el libro sí que plantea que el canibal es el padre.
Entonces podríamos decir que en el libro todos los devoradores salvo ellas son hombres.
Sí, sí, en el libro no se habla, que yo recuerdo ahora mismo, de ninguna mujer que sea devoradora.
Sí, incluso yo creo que para el personaje de ella, hasta cual se plantea en el libro,
incluso es hasta doblemente interesante.
Es decir puedo ser un personaje outsider, pero es que encima dentro de los devoradores
también soy un poco distinto al resto.
No sé si a lo mejor puede ser un enfoque de que se sienta aún más aislada,
que no pueda sentir empatía.
En este caso con la madre cuando la ve, igual el hecho de ser las dos mujeres,
hacia donde yo me proyecto, pero es que incluso en el libro no aparece esa figura tampoco.
Sería una rara dentro de los raros.
Podría ser, efectivamente.
Justo lo que comentaba también respecto al contexto socioeconómico,
se ve muy claro en la película, porque es muy visual y mola el hecho de que se vea que está hecho polvo.
En el libro no es así, no se habla tanto de eso.
Es cierto que su madre en algunos momentos ya va a conseguir algún trabajo que no quería perder.
O sea que le pide a E.M. por favor, compórtate, he conseguido un trabajo, me van a ascender.
De hecho se entiende que ya llevan un tiempo, intenta reponer sus impulsos,
porque esta es la primera vez la vida que me gustaría tener.
Vamos a intentar conservarla y dejemos como el pasado atrás.
Aunque suene un poco de canción.
También a mí me parece muy interesante, y sí que me ocurrió cuando lo vi al principio,
la relación con el canibalismo que hay en la película,
porque en realidad en la película Marín tiene una memoria totalmente selectiva.
Se me recuerda de nada.
Se voltea a ocho años y se comió a un fagal, no se acuerda.
De repente se lo tiene que contar de su padre con un cassette.
¿El cassette sale en el libro?
Lo del cassette no, no sale en el libro.
Lo único que le deja a su madre es dinero y el estodo de la nación.
Hay tapallas.
Claro, justo.
Entonces, en el libro Marín, yo entiendo que por la narrativa y por la forma de contarlo,
es consciente de casi todas las personas que devora.
De hecho lo que comentaba, que cuando era pequeña la madre no le contaba libros,
porque sabía que ella no era la buena, que era la mala.
Y de hecho ella se interesa, desde que es pequeña,
y lee algunas historias sobre caníbales o le llama mucho la atención
a algunas figuras históricas como Goya con la pintura de Saturno devorando a su hijo,
a lo que sale y a lo que ella se interesa porque es uno de los nuestros.
No sé qué diría.
Yo entiendo que esto es porque la memoria selectiva crea un poco más de misterio
y permite que el público descubra más poco a poco estos detalles.
Nota cómo está sorpresa, ¿verdad?
En el libro es cierto que sí que podemos descubrir de una forma más sencilla cómo se siente,
porque en el final ella misma te lo está contando y en la película hay que actuarlo y es un poco diferente.
También la introducción de Sully es diferente.
En la película Sully es muy incendio desde el primer vistazo ya ves que es algo muy raro.
Y en el libro Sully es casi un amigo, entre comillas.
Está descrito como un poco más matizado y le da incluso a Marin consejos prácticos
para esconder un poco su canibalismo.
Entiendo yo que aparte de por el propio actor, es que en el cine al final un personaje más perturbador,
mucho más potente visualmente y hace que te quedes con él en la película,
que es alguien que simplemente no pasa por ahí, es un amigo, etc.
Sí, yo creo que puede ser interesante también el hecho de que si en el libro es el padre que le abandona
originalmente a lo mejor encuentra en Sully esa figura paterna que no tiene en casa.
En el libro es la madre y en la película es el padre.
En el libro es la madre la que la abandona.
Pero el caníbal es el padre, no?
El caníbal es el padre.
Porque abandona mucho antes.
Mucho más.
Nunca tiene esa figura paterna porque los abandona hace mucho tiempo atrás.
Si quieres empezar a estar al momento de todo el principio.
Es lo mismo. Yo creo que a lo mejor es esa figura paterna que nunca tuvo,
aunque la abandone la madre después y a lo mejor va en búsqueda.
Y yo creo que igual el personaje de Sully puede suplir esa figura paterna que nunca ha tenido.
Entonces Sully en el libro no tiene como una intención que se vislumbre turbia para con Marín.
De primeras no.
No tanto, no tanto, justo, efectivamente.
Luego hay más personajes secundarios en el libro, está probablemente Francesca.
Ahora que estaba pensando no sé realmente quién podría ser.
Si hay algún personaje que pueda cuadrar con ellos.
Sí que hay varios, por ejemplo en el libro se habla de Andy que es un chico que por ejemplo en el 7-11 en la película conoce a Lee,
que es la persona que se lleva afuera y se lo come etc.
En el libro ella se come a un chaval de ahí también.
O sea un poco han hecho ahí como un remix, se come a un chaval del 7-11 que trabajaba ahí en el 7-11.
Y también se habla más profundamente sobre, no sé si recuerdas que se habla que cuando era pequeña la persona,
la segunda persona que se comió fue en un campamento de verano, un niño y tal.
Pues se cuenta la historia de forma mucho más profunda y un poco más como historia de amor.
Así que su primer beso comienza a ser su primera devoración.
Pero sí que pues eso.
En la película conoce a Sully y van a la casa de esta mujer moribunda y en el libro por ejemplo esta mujer la ve sola,
la acoge y luego ya muere.
Acuere de forma un poquito más diferente.
Yo creo que está claro porque en una película pues al final se tiene menos tiempo y hay que ir más a los personajes.
Pero sí es cierto que no veo ninguna similitud quizá era un personaje nuevo el de Francesca.
Y luego quedan aquí un par.
Aparece el no devorador que va con un devorador?
No, eso no aparece, eso también es nuevo.
Entonces quizá podemos interpretar que también el tema de Francesca era o algo tipo de mix.
Tengas cierta licencia.
De hecho ahora que comentas eso por ejemplo el no devorador que va con el devorador etc.
Que es la persona que le cuenta lo de Bonzanole.
En el libro en realidad siempre es Bonzanole.
En el libro no se llega a hablar de si tiene alguna dificultad en comerse la gente.
Se toma un poco como algo mágico.
Sabes se hace simplemente.
Hablan de que van a devorar a una persona y lo siguiente que te cuentan es que en el siguiente párrafo cogen toda su ropa y la meten en una bolsa.
Eso es lo que queda de ellos.
Que se comen hasta los huesos.
Claro, siempre.
Ocurre como algo un poco mágico.
No se comprende como cuando eres tan pequeño que tienes ocho años.
Te puedes comer a otro niño de ocho años.
Pero simplemente ocurre.
Es una cosa que no se preguntan.
Entonces sí que es algo un poquito más mágico.
Y luego por último la relación de Sully con ella.
En la película no tienen relación.
Y en el libro Sully acaba siendo su abuelo.
Era el padre de su padre.
Como?
Wow, vaya girito.
What the fuck?
Al final en la película no tienen ninguna relación.
No tienen parentesco.
Y en el libro Sully es su abuelo.
Ya cuando hace mediados de la película y de los libros van bastante parecidos.
Y después de la feria parece ser que Sully les lleva a que durman una noche en una casa que tiene como en un pantano.
Como una casa típica de madera etc.
Y luego ocurren varias cosas y tal.
Liz se va etc.
Y Sully al final intenta matar a Marin como ocurre en la película también.
Y le cuenta que es su abuelo.
La está vigilando etc.
Pero es el abuelo por parte del padre que es el...
Que en la peli sería de la madre.
Claro.
Entonces quizá la motivación de que quiera acabar con ella cambia un poco siendo ese parentesco.
La motivación es totalmente distinta.
¿Cómo es que es tú que plantea o que le motiva en el libro quizás a acabar con ella?
El hecho siempre del animalismo como tal.
Me como incluso un familiar porque no puedo reprimir ese deseo de comer.
No lo cuentan específicamente.
Simplemente se quedan ahí en ese giro.
No lo dan como que lo dejan ahí un poquito.
Es cierto que entre el género...
El libro se acerca a ella porque es su nieta o no lo sabe.
No lo sabe.
Se lo sabe al final.
Se lo desvela al final del libro.
Pero lo sabe ella o el abuelo.
El abuelo lo sabe todo el tiempo.
Si se acerca porque sabe que es su nieta.
De hecho me parece recordar que ella se da cuenta de que su abuelo como justo un momento
antes de que se lo diga típico como escena final con un antagonista que está antagonista.
Entonces se da cuenta de que hay como elementos de su padre o que eran de su padre en esta cabaña.
Que hubiera reflejado ahí.
Efectivamente.
Y le aparece hoy en escena en esa pelea.
Sí.
Y la salva etc.
El libro se estaba... yo entiendo que al final se estaba contando un poco otra historia y
no quería liarlo.
Al final si no es tan importante, se entiende que la película lo que se intentaba conseguir
es hablar del ser trascendental, de los temas que hemos hablado.
Y no era tan importante que fuera su abuelo.
Quizás este giro hubiera sacado un poco o hubiera liado.
En general es verdad que el libro, aunque está bastante guay, se tiene una lectura bastante
rápida.
Un poquito más trivial como aquel que dice y que no es tan profundo como ha acabado
siendo la película.
O que no trata los temas de la misma forma.
Un poco se explica este canibalismo amor.
Termina en li y muere también en el libro.
Parece que no.
Me parece que no muere en li en el libro.
No recuerdo ahora.
O sea ya no solo come al final en el libro.
No, porque ya te digo que el Bonzanole es una cosa general de todos.
Ahí no le dan nada importante.
Para terminar, ¿qué dirías?
¿Mejor la película o el libro?
Mejor la película.
Si tienes como una lectura juvenil, el libro está guay, mola, pero si la película quiere
más profundidad, creo que mejor la película.
Al final tiene más tiempo o tiene un tiempo diferente para esta reflexión.
Tú en el libro tienes más tiempo para...
O sea puedes comprender mejor cómo ya se está sintiendo en cada momento.
Verás que la película lo ves.
Sí, no te hace falta que te lo cuentas.
Y aparecen postes eléctricos.
No, no apetece.
O sea que es una aportación del guionista o del guionista.
O del director o del director.
Sí, porque diréis vosotros, porque los postes sí que tienen mucho peso.
Incluso en el arranque de la película empieza el primer plano, es un cuadro de un poste,
¿no?
Postes de la luz.
¿Qué interpretación dais vosotros de los postes de la luz?
Porque sí que siento que es muy recurrente en el momento en el que vemos planos generales
en casi todos, salvo yo diría que en la parte final en la que ellos están sentados en un
atardecer increíble, que ahí no aparecen.
¿Qué interpretación le dais a esos postes?
Yo un poco quizás pues el camino a seguir, ¿no?
Como de que tiene que descubrirse.
Cuando va hacia la casa de su amiga, sigue los postes y acaba devorándole un dedo.
Y después es como un camino hacia aceptarse a sí misma quizás.
Sí, por eso en el cierre igual donde ellos ya han aceptado que son así, que van a vivir
la vida juntos, ya no aparecen.
Porque se supone que quizás esa metáfora del cable, ¿no?
Que lo cumplo.
A mí me ha gustado pensar que simplemente que le dijeron a algún becario que querían
más tensión, más tensión y dijo, pues, mételo en postes.
Cables de tensión.
Claro, claro.
De alta tensión.
Y que fue por ahí.
No, me gusta más la de Cristian, pero...
También invitamos a que todos aquellos que hayáis visto la peli, pues si no os habéis
dado cuenta de estos postes, le deis una segunda visualización a ver qué os permite o a la
gente que no lo ha visto.
Son los postes.
Ponen el mute incluso la película si queréis.
Y pasalo a postes.
Quizás simplemente estaban ahí y nadie...
Quedan lo que quieran.
Nadie lo dijera.
Bueno.
Dijeron, bueno, ahí.
Y vos...
Que guadalino le ha dado un plano de detalle en el arranque.
No, mucha visualidad, te lo llevo ahí, ¿eh?
Puede ser.
Bueno, ¿alguna cosita más comentar del libro?
No, todo bien.
No.
Punto final.
¿Quién lo editó?
¿La portada es bonita?
¿Cuánta máquina tiene?
Doscientas veinti...
Pocas.
En 96, una lectura tranquila.
Tiene punto a coma todo en su sitio.
¿Algún dibujo?
Menos de lo que me gusta bien.
Bueno, pues Juanfran, si te parece, vamos con tu sección.
Bueno, pues se ha nombrado varias veces el concepto del Root Movie y bueno, me ha parecido
interesante, pues profundizar un poquito en este subgénero, el género de la Root Movie
como tal, ¿no?
Bueno, pues al final este tipo de subgénero pues marca unas características sobre la
narrativa cinematográfica que se centra pues sobre todo en la experiencia del concepto
del viaje, ¿no?
El viaje de los personajes, pero también este viaje de los personajes se materializa
en un viaje físico, ¿no?
Generalmente por carretera y el modo de transporte pues puede ser cualquiera, ¿no?
Muchas veces se le da el peso al vehículo del coche como tal por esa libertad que le
permiten a los personajes y esa inseguridad o incertidumbre de dónde voy a parar y hacia
dónde voy que es un poco lo que viven ellos, pero también se puede dar en otro tipo de
vehículos, ¿no?
Pues como puede ser el autobús, en moto o en cualquier otro medio, ¿no?
Triciclo.
Triciclo, en monociclo, ahora en patinete eléctrico a lo mejor se le ocurre a alguien
a hacer un Root Movie en patinete eléctrico y en la primera parada se caen sin batería
y se tienen que volver.
O se prende el fuego.
O se prende el fuego y se salta por los aires, ¿no?
Entonces digamos que hay ciertas características que definen lo que sería un Root Movie y
me gustaría que hiciéramos un ejercicio de cada vez que damos uno de estos puntos pues
cómo lo traemos hacia Bones and Oils.
El primero evidentemente, que no hay que traerlo mucho porque ya se queda evidente, es el hecho
de que el Root Movie se estructura, como decimos, en un trayecto que hace un símil entre ese
trayecto con la evolución de los personajes o la trama, ¿vale?
Y sobre todo que el desplazamiento físico no solo es un cambio de localización sino
que cataliza esos puntos en los que los personajes van a ir evolucionando, ¿no?
A nivel emocional o a nivel psicológico, filosófico, ¿no?
Y volvemos un poco a conectar con lo que pretende Guadagnino, que el viaje es más importante
que en sí el destino, ¿no?
Aquí pasa un poco igual, ¿no?
Aquí es más importante lo que sienten ellos que en sí el canibalismo.
Yo creo que ahí hay una dualidad.
De hecho, quiero recordar que la peli quedaba como muy marcada con unos rótulos brutalmente
grandes cuando van pasando por cada una de las estaciones.
Ahora no recuerdo el nombre de la ciudad, pero sí, Sinati o Hayo.
Claro, justo cuando van cambiando de cada estado incluso, ¿no?
Solía como 4 o 5.
Claro, y quedan como muy marcados y que, vale, vamos a entrar en otra etapa del viaje, ¿no?
Quizá pues sí que podría ser interesante hacer ese trabajo de introspección, a lo
mejor parándonos de, vale, pues en esta etapa, ¿cuál es la evolución de cada persona?
Si volvosen actos.
Eso es.
¿Y si a nivel libro quedan tan marcados o le dan tanta importancia a la localización
donde paran o pasan más desapercibidos, Niel?
No, no es tan importante los lugares por donde están pasando.
No es tanto, ¿no?
¿El libro está capitulizado?
Sí, pero no tiene, de hecho, creo que el nombre de capítulos incluso.
Capítulo 1, capítulo 2, sí, poco más.
Va manteniendo capítulos, pero no tiene...
Si nos ocurren más preguntas sobre el libro, acudiremos.
Acudiremos a Ati, nuestro analista de libros de referencia.
No te he revisado de eso.
¿En qué tipografía estaba la edición que tú...
Pues parece una Times New Roman.
¿Sí?
¿12, 9, 10?
No, parece...
¿10?
¿12 y medio?
Sí, estaba grande, con esto de que no hay libros y tal.
Claro.
Bueno, pues si digamos que ese primer tema que define una root movie es el concepto del
viaje, quizá otro de los segundos temas o argumentos principales para definir una
película como root movie sería el tema de la libertad o el concepto del escapismo.
Es decir, escapamos de algo que nos persigue, que puede ser algo físico o algo interno
en busca de ese concepto de la libertad.
De hecho, la película La huida de San Pekinpah es una root movie y se llama La huida.
La huida, o sea, queda claramente definido como tal.
Digamos que este sugeren explorar el deseo de huir de estas normas sociales, de las responsabilidades
o de las limitaciones personales o del entorno familiar.
A menudo los personajes están buscando algún tipo de libertad, ya sea física, espiritual
y el acto de estar en la carretera simboliza esa ruptura con lo establecido.
Y bueno, yo creo que esta película queda claramente definido que ellos están escapando.
Claro, vuelves atrás un poco.
¿Qué pasa?
Estaba revisando el libro y...
¿Qué te has equivocado algo de lo que has dicho?
Que no es la madre, ¿no?
Que sí que se come el li...
No me acordaba.
Es que no ocurre la misma forma.
Le da ayuda, luego se lo come...
Pero se lo come no porque es querido.
Pero te ha leído.
Sí, sí.
Dice, eso sí, esta mañana...
Esto no lo corto.
No, no, no.
Bueno, no lo corto.
Pues queda claro.
Que sí que termina igual, ¿no?
La película y el libro.
Casi igual.
Pero no se lo comentero.
No, no.
Deja el menisco de una película.
Y se hace un correlante.
En la película, digamos que la película termina con ese gran momento final.
¿Cabecero otra vez de tu sección?
En la película, ese momento de que se lo come es como el gran final.
¿Qué pasa?
Eso es como el gran final.
Y aquí hay un pequeño epílogo como el que dice...
Se lo come simplemente porque...
En la película también hay epílogo, ¿eh?
Para ellos, hacer el amor, digamos.
O sea, llegar un poco más allá es comerse prácticamente, por lo menos en el libro.
O sea, cuando ya deciden pasar una noche juntos, lo que es besarse, saben que ya no va a haber
esa marcha atrás.
Por este caso, Marín se lo come de muchas formas.
y entonces ella luego continúa viviendo,
continúa trabajando en la biblioteca, etc.
Y ya lo que os decía de que el libro es un poquito más trivial
en este sentido, ella simplemente lo supera,
se queda allí, trabaja en la biblioteca,
y de hecho, me parece que en la última página
es como que se va a comer a otro tío, ¿sabes?
En plan... Su vida sigue.
La vida continúa.
¿Vale? Entonces, por eso digo que no es tan profundo y no es tan...
O sea que si se nos lo traemos a la root movie,
ella llega a su destino solo en la aceptación,
pero no en superar ese canibalismo.
Quizás cuando Jafran te ha preguntado si tenías algo más que decir del libro
era el momento de decir todo esto.
Se lo había pasado.
Me lo leí hace dos semanas y...
No pasa nada.
Pero si la vimos... No entraba en la sesión.
O sea, la viste antes de grabar de máster.
Pues no, porque sí, vamos muy trabajados.
Sí, sí, vamos con el encabellamiento.
Se da que ver.
Bueno, pues si retomamos un poquito el tema del subgénero,
de las root movie,
o sea, hablando un poco de este tema de la libertad y escapismo,
pues películas como tú bien has traído la de la huida,
pues películas como AC Rider del 69,
pues son claros ejemplos de que este tema
pues al final va explorando esa contracultura de los años 60,
sobre todo en Estados Unidos, ¿no?
Digamos que en los 60 surgen muchos movimientos de ruptura
con lo establecido y las root movie representaban esa salida
de los estereotipos, de las leyes, de lo establecido
y el querer vivir a tu manera, ¿no?
O en esa búsqueda de tu propia identidad.
Y hablando de la propia identidad,
tercer punto que define la root movie
pues es el autodescubrimiento, ¿no?
El viaje actúa como un medio de transformación
para los personajes que a menudo se enfrentan a su pasado,
a sus miedos, a sus deseos ocultos,
que en este caso queda claramente muy definido que...
Sí, que no están ocultos.
Que no están ocultos, que lo define, ¿no?
Y a lo largo de este recorrido los personajes experimentan
estos encuentros fortuitos con obstáculos que los desafían
y les brindan por nuevas oportunidades
forzándolos a reevaluar todo el rato
y validar todo el rato esa huida de esos miedos
y buscando su total identidad, ¿no?
Como pasa en Tell My Wish del año 91,
también como otro claro ejemplo de root movie
en el que el viaje les permite a los personajes desafiar
las normas patriarcales en este caso
y descubrir una nueva faceta de sí mismas, ¿no?
Y luego, como otro punto superimportante
que ya lo hemos comentado varias veces, el paisaje como metáfora, ¿no?
El entorno por el que viajan los personajes
no solo es un telón de fondo, sino que a menudo los paisajes
cambian en sincronía con el viaje emocional
de los propios protagonistas.
Crea un marco en el que a ellos les...
Bueno, pues metafóricamente como se encuentran
lo podemos ver reflejado en esos exteriores, ¿no?
Casi siempre con grandes extensiones de carretera,
desiertos solitarios, ciudades caóticas
que representan estos estados internos
y al tipo de obstáculos al que se enfrentan, ¿no?
Tanto físicos como psicológicos.
De hecho, posiblemente también el tema de los postes de la electricidad
quizá como elemento que representa a la sociedad.
La electricidad como un elemento que define a la sociedad
está presente en su camino
y en ese bloque final donde ellos ya se han aceptado
están en un paisaje totalmente natural,
sin elementos que les perturben.
Quizá a lo mejor estos postes son esa sociedad
que siempre está presente en su camino, del cual quieren huir
y por eso en este bloque final donde ellos ya deciden aceptarse
tenemos totalmente un ambiente natural virgen
donde no hay ningún elemento de la sociedad
de la cual quieren huir, ¿no?
Quizá a lo mejor puede tener esa lectura
estos postes que comentábamos antes, ¿no?
Otro punto súper importante que son los encuentros
y esos personajes secundarios que se van encontrando en este camino.
Aventuras, ¿no? Eso es.
Es como van llegándome estos elementos
que ponen a prueba mi decisión
y ponen a prueba si voy hacia donde tengo que ir
o incluso estos personajes hacen que vire mi camino.
Entonces, bueno, el viaje permite que los protagonistas
se crucen con una serie de personajes secundarios
como el devorador y el no devorador
que representan diferentes aspectos de la sociedad o de la vida.
Estos personajes son cruciales para el desarrollo de la historia
que ofrecen esos nuevos retos, amistades o confrontaciones
que impulsan a que los personajes tengan que decidir hacia dónde van ahora.
Es como si fuese un videojuego de pantallas.
Me paso la pantalla, supero este personaje y sigo mi camino, ¿no?
Pues aquí nos encontramos a la madre también que aparece.
Un personaje de Sully que va apareciendo de forma recurrente
que incluso hasta el final es un poco donde les frena
y aparentemente donde ya se establecen.
Es como que superan al boss final, ¿no?
Sí, pero la verdad que también un poco como que ejemplifica
a ese impulso que siempre los va a destruir, en realidad.
O sea, siempre va a volver.
Por mucho que ellos se alejan, no solo siempre está ahí.
Y es como esa figura.
Sí, hasta que no acaban con él, no lo superan
y supuestamente no volverán a la normalidad.
Aunque sí que es cierto que en el libro te abren la posibilidad
de que ella sigue siendo como es, aunque ella se acepta.
Y en la peli, bueno, lo dejan un poquito...
Quiero recordar más abierto.
Yo creo que se acepta, pero tampoco se come a otro de seguida.
Es papalada para la segunda.
Para cuando saquen la...
Bones and Oils 2.
También es como que en la película dan un poco a entender
que cuando comen a alguien se sacian durante una temporada, ¿no?
Entonces, no sé si en el libro, Miguel, es algo que se palpa.
Sí, también. O sea, ellos...
Ya con Miguel no lo sabemos.
Depende de cuando...
Depende de si lo hizo o no.
Ahora luego me tengo que sacar.
En la película ellos sí que comendan.
De hecho, Sully le dice cada vez,
estos impulsos van a ser más fuertes y van a ser más...
más...
más potentes, no vas a poder remediarlo.
Y lo vas a sentir cada menos tiempo.
Y en el libro no se profundiza tanto.
Simplemente ellos tienen estos sentimientos
y como se lo lleva un poquito más por el tema del amor,
si quieres, por estas personas que quieres, etc.,
al final no vas a poder evitar sentirte así.
Claro.
Y digamos que quizá el último punto de la root movie
sería lo que se considera el cine de contracultura.
Hablamos de que en los años 60
prefieren...
Digamos que la sociedad tiene como una mentalidad
de luchar contra lo establecido.
Damos que también es como un elemento
que está muy presente en la root movie.
Y aquí vemos claramente que en este caso
ese rechazo a la sociedad es en sí el canibalismo.
Es decir, bueno, eso no lo vemos bien,
estáis al margen y esta gente intenta encontrarse.
Que este canibalismo podría ser
una metáfora de cualquier actitud que podamos tener
un poco que a lo mejor se saliese de lo establecido.
Entonces, bueno, yo creo que aquí, como películas como
Vanishing Point del 71 o Wild at Heart del 90,
que no sé si son películas que habéis visto o no...
La de Vanishing Point no la...
Vanishing Point del 71.
Vanishing Point, vale.
Y bueno, pues es un peli que, por ejemplo,
en esta root movie sí que tiene mucho más peso
el concepto de la contracultura.
En otras root movie igual van más al viaje interior.
Bueno, al final cada peli se lo lleva por un lado.
Vanishing Point va muy bien además porque será
como punto de fuga, de una manera.
Entonces, bueno, ejemplos como películas.
Bueno, pues...
¿Has traído una lista de recomendaciones
para los espectadores?
No, no, algunas, algunas de...
Yo también puedo aportar algunas.
Por supuesto.
Digamos que no hay un consenso claro de cuál fue la primera
root movie que se considera, pero bueno, digamos que hay como
una aceptación generalizada que es la de
Succedido en una noche de 1934, de Frank Cava.
Bueno, que es una comedia romántica protagonizada
por Carl Gable y Claudette Colbert.
Y sigue pues a una joven heredera que huye de su vida privilegiada
y se embarca en un viaje por carretera junto a un periodista.
Y un poco lo que estabas comentando...
Claro, no lo he visto, pero no tendría sentido quizá
que no fuese esa, ¿no? Porque al ser comedia romántica
también mediante el camino descubren algo propio
y hay algún tipo de superación.
Bueno, aquí, por ejemplo, claro, sí que cada peli va...
Tiene un poco el peso más orientado, una línea en otra.
En este caso, por ejemplo, ella que es una niña rica,
por decirlo de alguna manera, ella quiere huir de lo establecido
en su contexto. Me imagino pues una familia con unas reglas
mucho más estrictas y conoce a un periodista, ¿no?
Que es un personaje como más viva la vida,
un personaje que se desplaza mucho.
Entonces, yo creo que... Bueno, me parece interesante que
la root movie sea un subgénero porque puede abrazar
cualquier tipo de género. En este caso es una comedia,
pero aquí es una caníbal, pero al final nos encontramos con...
Es género caníbal, ¿eh? Es género caníbal.
Y bueno, yo creo que puede ser interesante en ese aspecto,
no quiero decir que el subgénero como tal puede abrazar
muchos estilos, ¿no? Total.
Hay muchos que son westerns o alrededor de los westerns.
Claro. Y digamos, por traer algunos ejemplos
y no alargar mucho más, pues, AC Rider, de 69,
considera una de las películas más importantes del subgénero
que es por la contracultura de los 60 y ese espíritu de libertad
a través de un viaje en motocicleta.
Otro ejemplo que podemos tener, que ya hemos comentado,
Telma y Luis, del 91, un poderoso relato sobre la amistad...
Del grandísimo Ridley Scott.
Y la... He dudado de meterla, pero como sé que la escribió...
Porque la Ridley Scott es buenísima y te da rabia que sea buena.
Como sé que la hizo su hermano.
Además, creo que es la película de la root movie
que puede que sea la que más se parezca
en términos de estructura o de estética con Bonesanol.
Sí, pues, evidentemente, yo creo que habrá una influencia muy clara.
Y, bueno, pues, en este caso, esta película son dos mujeres
que emprenden un viaje y se cometen una huida de sus vidas opresivas.
Al final, otra vez recurrente el concepto de huir,
de lo establecido y demás.
Luego también tenemos diarios de motocicleta del 2004.
Muy bueno.
Un viaje de la juventud del Che Guevara
y cómo su experiencia en la carretera moldeó sus ideas revolucionarias.
Aquí hemos visto que va en moto.
Al final, el medio de transporte ya no es tanto lo importante,
sino el viaje que hacen.
Y luego, por volver a un tema
quizá que tenga ciertas connotaciones cómicas,
pues tenemos Little Miss Einstein.
Pequeña Miss Einstein de 2006.
Aunque está centrada en la familia,
esta película utiliza el formato del viaje
para ver... Preciosa película.
No la recordaba yo como una...
No lo hubiera catalogado.
Claro. Entonces, al final,
es una familia que está completamente desestructurada
y como este viaje los une por un propósito mayor
y huyen de ese conflicto que tienen en el interno
y terminan todos bailando juntos en un escenario.
Y es una película que, siendo catalogada como una root movie,
quizá no nos cuesta visualizarla,
pero reúne todas esas características, paisajes amplios...
No, 100 %.
El arco de los personajes...
Bonsalón me recuerda también a Bonnie Clyde.
En muchos aspectos. Sí.
Hasta aquí está mi lista de películas que quizá sean icónicas.
Pero la...
Las suas de la ira de John Ford, por ejemplo.
París, Texas, que es una de mis películas favoritas de Wing Wenders.
Hacia rutas salvajes de Son Penta.
Es un película. Green Book.
Camino me apasiona, pero es muy disfrutable también.
Es una movie también.
Una historia verdadera.
También una película muy bonita.
Y pues hay más ¿no?
Por ejemplo, No es país para viejos no sé si sería una road movie...
No es país para viejos.
No tengo... Claro.
Es un poco persecución ¿no?
Sí. Pero...
Pero bueno, sí tenemos Nebraska de Alexander Payne
o Rain Man, por ejemplo, de Tom Cruise.
Sí, al final es un género que da muchas...
Un subgénero que da como...
Bueno, que un contexto muy interesante para el desarrollo de personajes,
para el evolucion de los personajes.
Y al final evidentemente es muy fácil generar un conflicto
que desemboque en una huida.
Entonces, bueno...
Sí que es cierto que parece muy del cine americano la road movie.
Porque casi todas las que hemos nombrado son de cine americano.
Aunque está La Estrada de Fellini, que no es americano,
pero la road movie es muy de cine americano.
Sí, yo creo que quizá por la propia...
Por la propia desincrasia de...
A nivel territorial del estado americano,
que tiene grandes superficies.
Claro. El hecho de que un estado a otro
tenga leyes distintas,
que tú quieras huir de tu estado para ir a un estado
donde las características sean distintas.
Sí, al final aquí en España cogemos el coche
y en unas pocas horas te plantas en la otra punta del país.
En cambio, en Estados Unidos hay veces que vamos a ver
a la familia que vive en otro estado,
igual es un día completo de viaje.
Asesinato en el Oriente Express
posiblemente sea una road movie en tren, ¿no?
Bueno, sí.
¿Puede ser? Porque hay viaje,
pero no hay ningún tipo de cambio personal.
Bueno, no lo mentiría. ¿Has buscado si en los País Paradijos
o no lo estabas buscando eso?
Estaba... Estaba viendo el libro otra vez.
Estaba chequeando.
Por cierto. No, estaba...
He buscado un momentito lo de No Espec para Viejo,
pero ya me ha quedado mirando a Bardem.
No he buscado eso específicamente.
Vale, gracias. Gracias por tu quebra, entonces.
Y por mí, poco más que comentar de la road movie.
Me parecía interesante, sobre todo,
por meter ese canibalismo en el contexto de la road movie
como algo peculiar y quería dar algunos matices
sobre este subgénero y, bueno, pues traerlo aquí a la mesa.
Muy bien. Entonces, Cristian, cuéntanos
qué te has traído. Cuéntanos, vamos,
con la sección de Cristian Martínez.
Bien, pues en la sección de hoy os quiero hablar
de Armand Douglas Hammer,
más conocido como Army Hammer.
Es el protagonista de Call Me By Your Name
junto a Timothy Chalamet,
película de la que hemos hablado anteriormente.
Army o Hammer, vamos a llamarlo Hammer.
Jeffrey Hammer.
Ency Hammer. Pues por ahí va el obtivo.
Hammer es un actor estadounidense
nacido en Santa Mónica, California,
el 28 de agosto de 1986.
La carrera como actor profesional de Hammer
comenzó con pequeñas apariciones como invitado
en series de televisión como Arrested Development,
Veronica Mars, Gossip Girl y Mujeres Desesperadas.
Sus primeras incursiones en el cine comenzaron
con un papel menor en la película Flicka 2006,
además de co-protagonizar un thriller psicológico de 2008,
Blackout.
Después de una larga búsqueda, Hammer fue elegido en 2007
por George Miller para protagonizar
La Liga de la Justicia, donde Hammer haría de Batman, ojo.
Pero la película fue cancelada en gran parte
a la inminente huelga del Sindicato de Ibonistas de 2007-2008.
O sea que la cancelación lo va a perseguir a...
Un gran chasco en su carrera.
En 2010, ojo, de nuevo, David Fincher lo coge
para interpretar a los gemelos a los que Zuckerberg robó...
supuestamente.
Pero no queremos una denuncia aquí.
Vuelvo a decir lo mismo, porque estos hicieron la banda sonora.
La banda sonora era la misma de la red social.
Correcto.
A quien supuestamente robó la idea de Facebook
en la red social.
Muy aclamada, al igual que su interpretación,
que le valió algún premio, porque hacía de los dos gemelos
y estaba increíble.
Ese mismo año se casó con Elizabeth Chambers,
una famosa repostera que saltó a la televisión
como caso de éxito empresarial.
En un momento pensaba que era el que trabajaba para la prensa
y te había salido mal, que era reportera.
Pero era repostera, ¿no?
Repostera, repostera.
Apareciendo en reality y como invitada especial
por programas de prensa rosa y cosas así.
Chambers trabajó por entonces también con Clint Eastwood
en la película J. Edgar, de 2011,
haciendo del primer director asociado del FBI, Clyde Tolson.
Interpretación que le valió también varias nominaciones
y muy, muy buenas críticas.
De ahí explotó, hizo Blancanieves,
el llanero solitario, co-protagonizado con Johnny Depp,
Operación Ángel, de Guy Ritchie, junto a Henry Cavill.
O Cabin.
No había caído en canal de proyección.
Sí, sí. Muy buena peli.
Me gustó. Me gusta, sí.
La última gran peli de Guy Ritchie, quizás.
Bueno. Perdón.
La moderna El nacimiento de una nación,
no la de 1920 o cuando fuese.
Por lo que sea.
Salió también en Animales nocturnos de Tom Ford
y varias películas más,
hasta que en 2017 co-protagoniza con Timothy Chalamet,
Call Me By Your Name, de Luca Guadagnino.
Por su actuación, Chambers recibió elogios y nominaciones
al premio de la crítica cinematográfica
al Independent Spirit Award
y al globo de oro al mejor actor de reparto.
¿Os podéis imaginar su vida?
Todo era un sueño.
Éxito tras éxito.
Poco a poco fue creciendo dentro de la industria,
participando en películas como Cars 3, Rebeca,
Crisis o la superproducción Muerte en el Nilo,
en el Nilo de Kenneth Branagh.
Que no es una road movie.
Que no es una road movie, por mucho que vaya a un barco
a través de un río, ¿no?
Porque road significa rodar.
Creo que tiene que rodar algo sobre el sueño.
Pero entonces, Apocalypse Now no es una road movie, ¿o no?
Apocalypse Now no es una road movie.
Podría ser una Navigate movie.
Bueno, pues Hammer...
estaba en la cresta de la ola.
Pero entonces llegamos a enero de 2021.
Hammer estaba listo para protagonizar La oferta,
una miniserie sobre el rodaje del padrino
que tuvo muchas turbulencias.
Pero entonces llegamos a enero de 2021
y se preparaba para una secuela de Call me by your name,
también llamada... llávenme por tu nombre.
Que te equivocaste.
Sin embargo, sus planes se vieron trastocados
cuando varias mujeres lo acusaron de conducta sexual,
digamos, inapropiada.
La controversia estalló en enero de ese mismo año
cuando se infiltraron mensajes violentos de Instagram
que Hammer supuestamente había enviado a una mujer llamada Effie.
Aunque el actor negó las acusaciones,
comenzaron a surgir más mensajes condenatorios,
incluyendo algunos enviados a antiguos amantes confirmadas.
Su vida se estaba truncando.
Unos meses antes dijo en Playboy
que respetaba demasiado a su esposa, Elizabeth Chambers,
la repostera,
como para actuar sexualmente según sus fantasías reales.
Palabras suyas son...
Me gusta agarrar el cuello, el cabello y todo eso.
Eso en la entrevista a Playboy.
También dijo...
Mi esposa dice que tengo un problema en el lóbulo frontal.
Dice que allí es donde se evalúan los riesgos y peligros
y que el mío está muy subdesarrollado.
Esto es textualmente.
Creo que Guadagnino, cuando fue a buscar en Call me by your name
al protagonista de Bones and All, no se fijó bien,
porque quizás en vez de coger a Timothy Chalamet
tendría que haber escogido a Hammer.
¿Por qué?
En febrero, su agencia, WWE,
decidió prescindir de sus servicios y su mujer lo dejó.
Como si eso no fuera un golpe suficientemente duro para su carrera,
su publicista también cortó lazos con él.
Se le cayeron varios proyectos más,
como una película romántica con Jennifer Lopez
y un thriller titulado El espía del billón de dólares
y una obra en Broadway de Minutes.
¿Qué estaba pasando?
Resulta que se hicieron más afirmaciones
sobre los presuntos problemas que Hammer,
que se intensificaron con acusaciones de violación y abuso,
lo que llevó a una investigación por parte de la policía de Los Ángeles.
En una entrevista con Page Six,
una de las exparejas del actor afirmó que Hammer le había dicho
que quería comerse partes de su cuerpo
y que también disfrutaba de probar la sangre.
Otra exnovia reveló que fue sometida a marcas
y afirmó que el actor se jactaba ante sus amigos
de marcar a sus amantes.
La acusadora, conocida como Effie, de la que hablamos antes,
alegó que en 2017 fue sometida a una tortura sexual durante cuatro horas,
afirmando que Hammer le causó deliberadamente daño en los pies
para que no pudiera escapar.
Finalmente, Effie logró huir de la supuesta tortura.
Además, Hammer publicó una historia en su Instagram,
esto es un poco sórido,
donde se veía a su hijo dos años dámelo los dedos de los pies
mientras él se reía.
Y ponía en texto la historia de Instagram.
Esto ocurrió durante siete minutos seguidos,
junto al hashtag Food Fetish,
lo cual es lo que lo vuelve más sórido.
La verdad que sí, bastante...
Finalmente, se filtraron mensajes de Instagram de Hammer con chicas,
donde admitía haber violado, disfrutado haciendo llorar a una mujer.
Uno de los mensajes decía, soy 100% caníbal.
Literalmente.
Otros mensajes fueron...
Bueno, pues, ya se ha cerrado, hijo de puta.
La verdad es que es casi más...
Me da más bronca, señoría.
Pero aquí es donde se cierra el caso.
Otros mensajes fueron, quiero comerte,
nunca antes había admitido esto,
le he arrancado el corazón a un ciervo vivo
y me lo he comido mientras aún estaba caliente.
También me ansageó, soy intenso y quiero tu sangre,
necesito que me alimentes con ella.
Si quisiera cortarte uno de tus dedos del pie
y llevarlo en mi bolsillo
para tener siempre un pedazo de ti en mi posesión,
quiero ver tu cerebro, tus órganos, cada parte de ti.
No es bonito eso.
Es precioso.
En la muestra del interior.
Cortaría un pedazo de ti y te haría cocinarmelo.
Fue otra de las frases que usaba Hammer para ligar.
Eso ya no está bonito.
Te haría un corte pequeñito y después me dormiría chupando de él.
Tu sabor, el sabor de tu hierro, tus minerales,
calmándome para dormir.
Este tipo de mensajes a los que enviaba Hammer a sus ligues.
Era su forma de ligar por Instagram.
Él se descendió diciendo que todos estos mensajes
se marcan dentro de un contexto de una relación BDSM, bondage.
O como, no sé muy bien si se dice así o no el BDSM.
Pero en las siguientes semanas, una docena de mujeres
compartieron mensajes en la misma línea.
Fantasías violentas, propuestas teclas para materializar
las conversaciones cotidianas sobre su mujer, hijos
y compromisos profesionales.
Hasta amenazas y difundía el contenido de las conversaciones.
Tras su divorcio, estuvo saliendo con la escritora
Jessica Siencin-Enriquez, quien validó la veracidad del contenido.
Dijo, si todavía cuestionáis si esos mensajes privados
de Army Hammer son auténticos y lo son,
quizá deberíais empezar a cuestionar por qué vivimos
en una cultura dispuesta a darle a los abusadores
el beneficio de la duda en vez de a las víctimas.
Hace falta un ejército para ocultar a un depredador.
Detrás de cada abusador hay un equipo de personas
trabajando para cubrir su rastro.
En junio de 2021, Hammer ingresó en un programa de rehabilitación
en Florida para tratar problemas con las drogas, alcohol y el sexo
y fue tratado durante nueve meses.
Tras eso, Hammer nunca ha vuelto a actuar
y en 2023 reveló que él mismo había sido agredido sexualmente
a los 13 años por un pastor de la iglesia.
Por el momento, el actor se encuentra escribiendo un guión
inspirado en su propia vida, pero no tiene más proyectos a la vista.
Está arruinado y peleado con su familia,
la cual es una familia de multimillonarios
por diversos negocios, a la cual renunció con 19 años
para dedicarse a la actuación, ya que no está dando acuerdo con eso.
La verdad que... Qué pena, ¿no?
En plan, te alejas de tu familia de ser millonario,
te haces millonario y...
Y te arruinás.
Y que menos que llamar a tu familia y decirle dame un millón o algo.
El que le faltaba la peli para acabar.
Hammer de momento se suma a la lista de cancelados por escándalos sexuales
como Harvey Westain, Kevin Spacey o Carlos Bermúde.
Hay una serie, ¿no? Del 2022.
Sí.
En Discovery+.
¿Ha visto algo de eso? No. No lo sabía.
Había setado bien.
¿Enterlas para la sección? No, no lo...
Sí, son tres episodios por lo que estoy viendo aquí,
pero no sé si más de una temporada.
Y sí que leí que... Se llama House of Hammer.
Sí.
El intento suicidarse, ¿no?
En 2023 algo así hubo ahí un intento sutil, ¿no?
Eso es un sutil.
La verdad que no ha salido del bache.
Mientras tanto, otros siguen trabajando,
como Polanski, Brian Singer, Woody Allen o John Lasseter,
que no han llegado a ser cancelados.
Abro debate.
¿Separar la obra, el arte del personaje?
¿Qué opináis?
Complejo. Es muy complejo.
Yo en primera instancia diría que sí.
O sea, yo prefiero separar,
o por lo menos no me cuesta mucho separar la obra del personaje.
O sea, tengo una visión respecto a la vida que...
Que se quiere decir...
No sé si es sencillo a veces poder actuar a algunas cosas.
No digo que debas ser un asesino para actuar un asesino,
este tipo de cosas,
pero comprendo que no...
O sea, que ser un genio en algunas cosas,
a veces que trae otras, etcétera,
no estoy justificando a nadie, lógicamente.
Pero no es algo que me cueste.
O sea, comprendo que cada uno tiene su vida, sus problemas,
y realmente no conozco lo que ha pasado.
La verdad es un poco compleja.
Fíjate, yo creo que quizá hay dos formas de visualizarlo.
Sobre todo por todo el tema de escándalos sexuales y demás.
Que la gran mayoría son ejercidos sobre la mujer.
Entonces, yo creo que según el punto de vista que tengas,
quizá a nosotros que no es una problemática
que nos pueda afectar de forma directa,
nos es más fácil separar la parte artística del personaje.
Entonces, me quedo con esa parte de arte
que quizá como artista pueda aportar mucho.
Eso es indiscutible.
Pero quizá si nos ponemos en el punto de vista de una mujer
que sí que pueda sufrir toda esta violencia.
El hecho de que a estos personajes se les legitime,
siguiendo llamándolos,
que no se produzca una cáncer racial es una manera de...
Creo que es difícil.
Pues, obviamente, a nosotros que no nos afectan
la problemática que esta gente ha presentado,
no sea más fácil separarlo.
Yo a mí, su vida personal me da igual,
su arte sí que me parece interesante,
pero si a lo mejor nos ponemos en el punto de vista de una persona
que sí que sufre esta lacra,
que puede ser en este caso el machismo,
la violencia sobre la mujer,
pues ellas sí que puedan decir no, es que sí se elige.
Si a esta persona se le sigue llamando, estamos legitimando
que estos machistas o no sé cómo se le pueda llamar,
pues sigan estando en el panorama visual
y es una manera de decir, veis, no pasa nada,
porque esta gente sigue haciendo su vida.
Entonces yo creo que es difícil,
habrá que si yo empatizo con la causa,
pues tendré que entender que esta gente se cancele.
Si solo me quedo en el punto de vista del arte,
pues es posible que estos artistas,
pues parte de su arte no lo puedan desarrollar
y por tanto no me llegue.
Es decir, a lo mejor con el paso del tiempo es más fácil de verlo.
Yo no sé si Beethoven era un machista o no,
solo me ha llegado su arte, entonces no lo puedo contextualizar,
pero a lo mejor sí que lo era.
Entonces es complicado.
Hay aquí desde luego dos partes,
por un lado está un tema social y luego hay un tema legal,
hay un tema jurídico.
Por supuesto nadie debe ser impune de lo que haga
si se demuestra delante de un juez
o la verdad es la mano de que una persona
ha cometido algún tipo de infracción.
O sea, si haya algo con el tema del machismo,
sea un asesinato o cualquier tema,
yo creo que cualquier persona debe pagar por ello, por supuesto.
Sí, en este caso quizá el problema es que no sé si han pagado.
Es decir, no se puede demostrar.
Pero es que muchas veces se ha cancelado
sin que haya pasado por tribunales.
Entonces yo creo que el arte que una vez creado y puesto en el mundo
es que tiene vida propia.
Es dominio.
Claro, la obra deja de pertenecer al artista
y comienza a formar parte de la cultura.
Entonces en ese sentido, películas de Polansky,
por ejemplo, como el Pianista o Chinatown,
que tienen un valor artístico y cultural
que van más allá, creo, de los errores o delitos,
más que errores,
que haya cometido Polansky en su vida personal.
Entonces yo creo que aunque el talento artístico
no excusa que puedas hacer lo que quieras,
pero tampoco creo que haya que eclipsar
todo lo que haya hecho esa persona por ello,
cuando creo que esas personas deben ser juzgadas
pero juzgadas por jueces, abogados, leyes.
Pero su arte debe ser juzgado por su propio mérito.
Entonces creo que a la persona hay que juzgarla como persona,
pero el arte creo que debe ser juzgado con componentes artísticos
como su capacidad para conmover, su capacidad para inspirar
o para transformar a la gente,
independientemente de las acciones que haya hecho su creador.
Sí, quizás lo que nos rompe un poco la cabeza
es el hecho de pensar que una persona que pueda ser un violador
pueda ser un gran artista.
A lo mejor quizá la problemática viene
porque entendemos que un violador todo lo que hace es malo.
No somos blancos o negros.
Tenemos como ese efecto halo que hace que este tipo,
que es algo humano, es algo psicológico,
si esta persona es guapa, probablemente también se le da bien
hacer otras muchas cosas cuando muchas veces...
No es así.
Pero sí que está claro que siempre que utilicemos este tipo de argumentos
tienen que ser argumentos de preso y validad.
Creo que no nos debería valer solamente con los rumores,
con las especulaciones,
para acabar en realidad con la carrera profesional de alguien.
Claro que yo creo que también tiene algo que ver
con que las personas que hacen cine o arte
están consideradas como modelos a seguir.
Entonces, por ejemplo, si un carpintero es un violador,
cuando sale de prisión de haber cumplido su condena,
puede seguir haciendo sillas y nadie va a mirar su silla
y decir que está si ya lo ha hecho un violador.
En cambio, en el arte quizás el modelo que tenemos
de que esas personas tienen que ser modelos a seguir
es lo que nos hace ver como que no pueden seguir trabajando.
Claro, es que son modelos a seguir porque tienen un impacto
muy grande, es como un deportista de élite.
Tienen un impacto social tan fuerte que sí que es cierto
que quizá sería más interesante analizar su obra.
Si su obra es machista, pues a lo mejor ahí
tú sí que puedes tener una reserva con su arte.
Pues sus historias no nos están ayudando
a crear una sociedad más igualitaria o lo que sea.
Bueno, pues tú cancela su obra de arte.
Quizá la persona como tal...
El tema es ese, ¿se puede cancelar el arte?
O sea, quiero decir...
Yo creo que no debería cancelarse el arte en ningún caso.
La libertad de presión debería estar por encima.
Si es cierto que creo que igual hay que invertir más esfuerzos
en prevenir, en hacer protocolos para que estas cosas no sucedan,
en dar voz a gente también distinta.
Pero no por ello restársela a otros
y que al final cada uno consuma a idea de lo que le apetezca.
Total.
Muy bien.
Pues nada, con este debate filosófico llegamos al final.
Había abierto una gotilla de vino.
No, es broma.
Pues nada, simplemente muchísimas gracias
por haber estado ahí escuchándonos.
Para todos aquellos que hayan visto la película,
esperamos haber aportado una visión sobre algunos aspectos
que a lo mejor no habéis tenido en cuenta
o incluso seguramente tengáis lecturas
que nosotros no hemos aborado aquí.
Pero bueno, invitar a todos aquellos que a pesar del spoiler
no hayáis visto la película y os apetezca adentrarnos
a lo mejor con una visión un poquito más profunda,
invitar también a querer el libro. ¿No, Miguel?
Un librazo, vamos. Y más si te lo es el final, es increíble.
Sí, sí. Sobre todo cuando no se come a Lee.
O sí, ya lo hemos acabado. Claro.
Sí. Sí, ¿no?
También ver la película de... ¿Cómo es la película?
La serie. I May Destroy You.
No, no, la... La serie que me has visto.
La llamé por tu nombre.
La llamé por tu nombre, esa película.
Y nada, simplemente deciros que estamos en Twitter,
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También podéis escucharnos a través de Spotify,
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Y nuestra página web, lospeliculistas.com,
donde veréis todos los enlaces.
Puse los peliculistas.com porque quería hablar con vosotros
si hacemos una web o no. Bueno, pues lo...
Lo podréis probar.
Si en la descripción de este capítulo aparece la web,
es que está. Si no, es que hemos decidido no hacerla.
A lo mejor lo estamos hablando. Si veis que no hay web,
es que hemos decidido que no lo hacemos.
O sea, entrar a lospeliculistas.com.
A ver qué pasa. A ver qué pasa.
Igual nos parquean el dominio ahora.
No, no, bien, está. Muy bien.
Pues nada. Venga.
Hasta la semana que viene. Hasta la semana que viene.
Música instrumental
La rima trompa y el agua se atrapa
Oh, Lord, I'm coming
Oh, Lord, don't you worry
I'm coming, here we come
Oh, Lord, you're a black saint
I'm coming, yeah
Oh, Lord, don't you worry
I'm coming, yeah